45. - Cate BLANCHETT

(Melbourne, Australia, 14 de mayo de 1969)

Sello dedicado a Cate Blanchett, 

emitido por el correo de Australia en 2009. 

(Valor facial: 55 centavos de dólar australiano)

La actriz de cine y teatro australiana Catherine Élise Blanchett, conocida como Cate Blanchett, nació en el seno de una familia acomodada; era hija de un alto ejecutivo estadounidense, que murió cuando ella tenía diez años, y de una maestra de escuela a quien la necesidad, al enviudar, obligó a hacerse empresaria.

Al acabar los estudios secundarios en el Methodist Ladies College de su ciudad natal (donde hizo 

sus primeros pinitos teatrales), se inscribió en la Universidad de Melbourne para cursar Economía y Bellas Artes, pero a los dieciocho años abandonó los estudios y, movida por otras inquietudes, viajó al Reino Unido y luego a Egipto, donde conoció a un empresario cinematográfico que le propuso hacer de extra en una película; esa experiencia le pemitió descubrir su vocación como intérprete.

Animada por ello, regresó a Australia y se inscribió en el Instituto Nacional de Arte Dramático de Sídney, donde se graduó en 1992, y aquel mismo año debutó como actriz de teatro. El éxito le sonrió pronto, y en 1994 pasó al mundo del cine con un papel en la serie televisiva Police Rescue, muy seguida en su país.

Continuó trabajando en otras series televisivas, hasta que en 1997 le ofrecieron un papel secundario en la coproducción australo-estadounidense Paradise Road. El mismo año consiguió un papel de protagonista en el filme Oscar and Lucinda, junto al actor británico Ralph Fiennes, que le valió una nominación del Instituto Cinematográfico Australiano como mejor actriz y, sobre todo, hizo que se fijara en ella el realizador indio Shekar Kapur, quien en 1997 le ofrecería el papel de protagonista en Elizabeth: The Golden Age, una de las películas con las que Cate dio su salto definitivo a la fama.

A partir de entonces le llovieron propuestas: interpretó el papel de la reina elfa en The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring (2001), primera parte de la trilogía basada en la novela El Señor de los Anillos, de J. R. R. Tolkien (Cate también intervino en los otros dos filmes), y tuvo papeles protagonistas en filmes como Charlotte Gray (2001), Veronica Guerin (2003), Coffee & Cigarettes (2003) y The Life Aquatic with Steve Zissou (2004).

Su consagración internacional le llegaría con The Aviator (2004), Babel (2006), The Good German (2006), Notes On A Scandal (2006), la mencionada Elizabeth: The Golden Age (2007), I'm Not There (2007) y, especialmente, The Curious Case of Benjamin Button (2008), la trilogía de The Hobbit (2012, 2013 y 2014) y Blue Jasmine (2013).

Casada con el dramaturgo Andrew Upton, Cate Blanchett mantiene una vida muy discreta, lejos 

del protagonismo y los escándalos que caracterizan a medudo el mundillo cinematográfico. Hasta 

la fecha ha obtenido seis premios Oscar, ocho Globos de Oro, seis premios BAFTA y otros muchos galardones. Además, pese a su intensa actividad cinematográfica, no ha abandonado el teatro, en cuyos escenarios está presente con frecuencia.

Enlaces de interés

“Cate Blanchett” (en AlohaCriticón. Biografía y filmografía. En español).
“Cate Blanchett” (en Hollywood, Walk of Fame, 05.12.2008. En inglés).
“Cate Blanchett” (IMDb. Fotografías, vídeos y enlaces a numerosos artículos. En inglés).
“Cate Blanchett” (en The Guardian. Numerosos enlaces periodísticos. En inglés).
“Cate Blanchett” (en Wikipedia. Información completa y pormenorizada hasta 2015. En inglés).
“Cate Blanchett: ‘Mi vida privada no le interesa a nadie’” (en El País, Madrid, 18.05.2015. En español).
“Películas de Cate Blanchett” (en Películas 21.com. Películas descargables en internet. Con una sinopsis 

de cada película. En español).
C. Collar: “Cate Blanchett: Full biography” (en The New York Times / Baseline, 2010. En inglés).
A. Evans: “Cate Blanchett: Feminism’s Sweetheart” (en Fem Magazine, Los Angeles, 2014. En inglés).
H. Haun: “From Hedda to Streetcar to Vanya: The Many Colors of Cate Blanchett” (en Playbill, 15.07.2012. En inglés).
M. Manelis: “Cate Blanchett (‘Blue Jasmine’)” (en Golden Globe Awards, 2013. En inglés).
M. Saville: “A Class Act: The Discreet Charm of Cate Blanchett” (en Daily Review, Melbourne, 27.06.2014. En inglés).

44. - UNIVERSIDAD DE CHILE

Sello emitido en 1942 por Correos de Chile 

para conmemorar el centenario de la Universidad. 

(Valor facial: 1 peso chileno)

Serie de cuatro sellos emitidos en 2012 por el correo chileno 

con motivo del 170 aniversario de la fundación de la Universidad de Chile. 

(Valor facial de cada sello: 500 pesos chilenos)

Creada por una ley del 19 de noviembre de 1842, la Universidad de Chile fue inaugurada oficialmente en la ciudad de Santiago el 17 de septiembre de 1843 como continuadora legal de la que había sido primera universidad chilena, la Real Universidad de San Felipe, fundada en el entonces Imperio español, a instancias del rey Felipe V, en 1738. Su sede fue el mismo edificio de ésta (denominado actualmente Casa Central).

La idea de crear una universidad pública nacional surgió muy poco después de la declaración de independencia de la República de Chile (12 de febrero de 1818), reconocida por España en abril 

de 1844. En 1813, durante la colonización y en plena guerra de liberación contra la monarquía hispánica, ya se había creado en Santiago el Instituto Nacional, Literario, Económico, Civil y Eclesiástico del Estado, con cinco facultades que desarrollaban áreas de conocimiento que no 

estaban presentes en la universidad colonial de San Felipe.

Conocida también como Casa de Bello (por haber sido el erudito venezolano Andrés Bello su principal impulsor y primer rector), la Universidad de Chile es hoy uno de los dieciséis centros 
del Consorcio de Universidades del Estado de Chile (CUECH) y de los veinticinco del Consejo de Rectores de las Universidades Chilenas (CRUCH). En sus cinco campus y otras dependencias educativas acoge a cerca de 40.000 estudiantes y ofrece más de sesenta carreras y licenciaturas, 
más de una treintena de programas de doctorado y un centenar largo de programas de magíster.

Considerada el principal centro de investigación científica de Chile, cuenta con más de 10.600 publicaciones indexadas por el Institute for Scientific Information, lo cual le da una especial relevancia internacional. Es muy importante, además, la labor que realiza en el ámbito de la cultura, tanto por lo que se refiere a las artes como a las humanidades. De ella dependen, por ejemplo, el Teatro Nacional Chileno, la Orquesta Sinfónica de Chile, el Ballet Nacional Chileno, el Museo de 
Arte Contemporáneo y el Museo de Arte Popular Americano Tomás Lago.

Entre los alumnos de la universidad hay que citar a la primera mujer que fue admitida, Elisa Díaz, que se graduó en medicina en 1887, y a otras personas especialmente relevantes, como Gabriela Mistral, premio Nobel de Literatura en 1945; Pablo Neruda, galardonado con el mismo premio en 1971, y una extensa lista de políticos que llegarían a la presidencia de la República de Chile.

Enlaces de interés

“Anales de la Universidad de Chile” (Biblioteca Fundamentos de la Construcción de Chile. En español).
“Biblioteca digital de la Universidad de Chile” (Universidad de Chile, 2013. En español).
“Centro de Estudios Judaícos” (Universidad de Chile. En español).
“Grupo de Estudios Coloniales” (Facultad de Filosofía y Humanidades, Facultad de Artes, Universidad 
de Chile. En español).
“Hitos de una historia en 170 años: la Universidad de Chile, un proyecto para una nación” (en Anales de 
la Universidad de Chile, 4, 2012, tomo 2. En español).
“Instalación de la Universidad” (discurso de Andrés Bello en la toma de posesión del cargo de rector, el 17.09.1843. Facsímil. En Anales de la Universidad de Chile. En español).
“Instituto de Estudios Internacionales de la Universidad de Chile” (Facebook. En español).
“La Universidad de Chile (1842-1990)” (Memoria Chilena, 2014. En español).
“Pilar republicano. Reseña histórica” (Universidad de Chile. En español).
“Sala Master - Radio Universidad de Chile” (En español).
“Universidad de Chile” (EcuRed. En español).
“Universidad de Chile” (Wikipedia, con abundante información pormenorizada. En español).

43. - Heinrich SUTERMEISTER

(Feuerthalen, cantón de Schaffhouse, Suiza, 12 de agosto de 1910 – Vaux-sur-Morges, cantón 

de Vaud, Suiza, 16 de marzo de 1995)

Sello emitido por el correo suizo en 2010 para conmmorar 

el centenario del nacimiento de Heinrich Sutermeister. 

(Valor facial: 1,40 francos suizos)

El compositor Heinrich Sutermeister, nieto de otro afamado compositor de su misma nacionalidad, Otto Sutermeister, nació en el seno de una familia estrechamente vinculada al mundo musical. Su padre, pastor protestante, quiso que empezara muy pronto estudios de piano y armonía, por lo que siendo aún muy joven lo inscribió en la Musikschule de Basilea.

Aunque al principio compaginó los estudios musicales con los de filología románica y germánica, se decantó pronto por los primeros. En 1929 viajó a París para seguir un curso de historia de la música en la Sorbona. En la capital francesa descubrió la obra de Ravel y Debussy, y estuvo en contacto con el Groupe des Six, cuyos componentes influyeron notablemente en sus primeras composiciones.

En 1931 se estableció en Múnich para completar sus estudios en la entonces célebre y prestigiosa Münchner Akademie der Tonkunst. Allí le llegó la influencia de Werner Egk y Carl Orff, a través de quienes se introdujo en el mundo de la ópera. En 1932 empezó a componer, pero no fue hasta 1936 cuando dio a conocer la primera obra suya que trascendería: la ópera Schwarze Spinne (‘La araña negra’), estrenada en adaptación radiofónica por Radio Berna.

Obtuvo sus mayores éxitos en el género operístico: Die Zauberinsel (‘La Isla del encanto’, 1941, basada en La tempestad de Shakespeare), Raskolnikoff (1948, basada en Crimen y castigo de Dostoyevski), Der rote Stiefel (‘Las botas rojas’, 1951), Titus Feuerfuchs oder Die Liebe, Tücke und Perücke (‘Tito el zorro de fuego o el amor, la perfidia y la peluca’, 1958), Madame Bovary (1967, basada en la obra de Flaubert) y Le Roi Bérenger (‘El rey Bérenger’, 1985, según una obra de Eugène Ionesco), entre otras.

Hay que destacar también otras composiciones suyas, como el Capriccio para clarinete (1946), la Missa da Requiem (1953, estrenada en Milán bajo la dirección de Herbert von Karajan), la cantata Omnia ad unum (1966), sus tres conciertos para piano (1943, 1953 y 1962), sus conciertos para violonchelo (1955 y 1971) y para clarinete (1976), y algunas piezas para orquestas de cámara. Compuso también música para el cine y la televisión.

En 1977 fue elegido miembro correspondiente de la Academia de Bellas Artes de Baviera.

Enlaces de interés

“Download free sheet music and scores: Heinrich Sutermeister” (Scorser, En inglés).
“Heinrich Sutermeister” (Lalupa. Enlaces en español).
“Heinrich Sutermeister” (Schott Music. En inglés).
“Heinrich Sutermeister (1910-1995)” (Bibliothèque Cantonale et Universitaire, Lausana: “Documentation vaudoise”, 2013. En francés),
“Heinrich Sutermeister (1910-1995)” (IMDb. Sobre sus composiciones para cine y televisión. En inglés).
“Heinrich Sutermeister. Compositions” (AllMusic. En inglés).
“Sutermeister, Heinrich” (Europeana. Numerosos recursos digitalizados. En inglés).
“Sutermeister Heinrich” (Musinfo. Con enlaces a lista de obras, discografía y bibliografía. En inglés, con versiones en alemán, francés e italiano).
“Sutermeister, Heinrich” (Operone. Información sobre sus óperas. En alemán).
“Sutermeister, Heinrich (1910-1995)” (Zentralbiblopthek Zürich. En alemán).
E. Forbes: “Obituary: Heinrich Sutermeister” (The Independent, Londres, 20.3.1995. Interesante. En inglés).
D. C. F. Wright: “Heinrich Sutermeister” (Wrightmusic, 2011. En inglés).
Ch. Wyss: “Sutermeister, Heinrich” (Historisches Lexikon der Schweitz, 2014. En francés, con versiones en alemán e italiano).

42. - Ilarie VORONCA

(Brăila, 31 de diciembre de 1903 – París, 8 de abril de 1946)

Sello emitido por el correo de Rumanía en 2003, dedicado 

a Ilarie Voronca con motivo de su centenario. 

(Valor facial: 30500 lei)

Ilarie Voronca es el pseudónimo que utilizó el poeta y escritor rumano, luego nacionalizado francés, Eduard Marcus.

Perteneciente a una familia judía, apasionado por la literatura y el arte desde la adolescencia, se vinculó muy joven al grupo simbolista de inspiración francesa Sburătorul y publicó sus primeros poemas en 1922. Al año siguiente ya se editó su primer poemario, Restristi (‘Tribulaciones’), formado por composiciones de tono pesimista, una actitud anímica que, pese sus intentos de disimularla, marcaría su vida y casi toda su obra.

Muy pronto se convertiría en uno de los precursores de la vanguardia literaria rumana. Con su 

amigo Victor Brauner fundó la revista 75 HP, de la que apareció un solo número pero que causó sensación por su tono provocador (“¡Desparasitad vuestros cerebros!”, proclamaba, e invitaba a sus colaboradores a “orinarse sobre cualquier cosa” y a “no hacer literatura”) y se considera la primera revista “moderna” rumana, inspiradora de un nuevo “modelo de vida”. Estableció, además, las bases de la Pictopoesía, que definía como “una superposición de superficies geométricas, diferenciada según los colores y los relieves, y las palabras que, con su ritmo, dan sentido a la composición plástica” (nada tenía que ver con lo que hoy recibe esta denominación).

Luego pasó por diversas fases de los vanguardismos de su época, en particular el constructivismo y 

el integralismo artístico, del que fue iniciador, influido por el dadaísmo, el cubismo y el futurismo, mostrando una euforia creativa que, sin embargo, enmascaraba su verdadera personalidad oscura 

y su angustia vital.

En 1933 se instaló con su esposa en París, “huyendo de las tinieblas balcánicas”, y allí coincidió con varios compatriotas, escritores y artistas, que se habían exiliado, entre ellos Tristan Tzara. Empezó a escribir en francés, fue un activo colaborador de las revistas literarias parisinas y sus nuevas obras obtuvieron el favor de la crítica. En 1938 le fue concedida la ciudadanía francesa. Dos años más tarde, cuando gran parte de Francia quedó sometida al régimen nazi, se refugió en el sur del país y se unió 

a la Resistencia, hasta que en 1944, tras la liberación de París, pudo regresar a la capital. La guerra 

y sus consecuencias, sin embargo, mermaron su salud psíquica, y el 4 de abril de 1946 se suicidó ingiriendo una gran dosis de somníferos: “Necesitaré salir de la sombra”, había escrito poco antes.

Fue un autor prolífico, tanto en rumano como en francés, aunque la mayor parte de su obra se publicaría póstumamente. Entre sus libros de poesía destacan, en rumano, Ulise (1927, ilustrado por Marc Chagall), Incantații (‘Encantamientos’, 1932) y Patmos și alte șase poeme (‘Patmos y otros seis poemas’, 1933); y en francés, Permis de séjour (‘Permiso de residencia’, 1935), La poésie commune (‘La poesía común’, 1936), Amitié des choses (‘Amistad de las cosas’, 1937), Le marchand de Quatre saisons (‘El mercader de Cuatro estaciones’, 1938), Contre-solitude (‘Contra-soledad’, 1946) y Mais rien n’obscurcira la beauté de ce monde (‘Nada oscurecerá la belleza de este mundo’, 2000). De su obra en prosa, menos divulgada y en gran parte publicada póstumamente, mencionaremos A doua lumină (‘Una segunda luz’, 1930), La confession d'une âme fausse (‘La confesión de un alma falsa’, 1942), La clé des réalités (‘La llave de las realidades’, 1944) y Henrika (1945).

Enlaces de interés

“Ilarie Voronca” (en Facebook. En español).
“Ilarie Voronca” (Imprimerie Union, 2013. En francés).
“Ilarie Voronca: Rien n’obscurcira la beauté du monde” (Esprits nomades, 2008. Con una selección de textos. En francés).
“La persona Ilarie Voronica. Sus documentos” (Le Centre Pompidou, Paris, Espace personnel. En español).
“Portrait of Ilarie Voronica. Artist: Victor Brauner, 1925” (WikiArt, Visual Art Encyclopedia. En inglés).
I. Voronica: La poésie commune (G.L.M., Paris, 1936. Reproducción íntegra facsímil del libro. En francés).
I. Voronca: Nada oscurecerá la belleza de este mundo. Traducción de Jorge Segovia. Maldoror Ediciones, Vigo, 2010 (Versión española completa).
P. Brunel: “Un écrivain entre deux pays et entre deux langues : Ilarie Voronca” (en Quaderns de Filologia. Estudis literaris, Valencia, vol. XII, 2007. En francés).
C. Dauphin: “Ilarie Voronca. Le poète intégral” (Rafael de Surtis. En francés).
C. Iancu: “Voronica, Ilarie” (The Yivo Encyclopedia of Jews in Eastern Europe. En inglés).
I. P. Sabastian: “Centenar Ilarie Voronca ‘Miliardarul de imagini’” (en România Literară, 51-52, 2003. 

En rumano).
C. Vercey: “Sauver la tombe d'Ilarie Voronca” (I.D, n° 255, 2012. En francés)

41. - Pablo GARGALLO

(Maella, Aragón, Reino de España, 5 de enero de 1881 – Reus, Cataluña, República Española, 

28 de diciembre de 1934)

Sello dedicado a Pablo Gargallo, emitido por el correo español 

el 9 de diciembre de 1982 para conmemorar, con retraso, 

su centenario. Representa su escultura El profeta, de 1933. 

(Valor facial: 14 pesetas)

Pablo Emilio Gargallo Catalán, conocido simplemente como Pablo Gargallo, fue uno de los escultores vanguardistas más destacados del siglo XX.

Formado en Barcelona, donde su familia se estableció en 1888, se formó artísticamente en la capital catalana, y en ella se relacionó con el grupo artístico de Els Quatre Gats, del que formaban parte, entre otros, Pablo Picasso, Santiago Rusiñol, Ramon Casas, Isidre Nonell, Miquel Utrillo y el destacado arquitecto Lluís Domènech i Montaner, con quien Gargallo colaboró en alguno de sus proyectos más ambiciosos, como el Palau de la Música Catalana y el Hospital de Sant Pau de Barcelona y el Instituto Pere Mata de Reus.

En 1903, gracias a una beca, se estableció en París y vivió en la comuna de artistas del Bateau-Lavoir, en Montmartre, juntamente con Juan Gris, Max Jacob y Picasso, de cuya cabeza modeló una conocida escultura. En la capital francesa también trabajó con Auguste Rodin. Y en 1905 regresó a Barcelona, donde al año siguiente la Sala Parés le ofreció la oportunidad de presentar su primera exposición individual. En 1913 volvió durante dos años a París (regresaría allí más veces) y conoció 

a Amedeo Modigliani, con quien estableció una sólida amistad, y descubrió el arte primitivo y el cubismo analítico que practicaban Picasso y Georges Braque.

Gargallo se inició como escultor modernista, pero se acercó pronto a los movimientos vanguardistas, influido por su amigo Juli González. Para realizar sus obras utilizó multitud de materiales, desde el cartón hasta el bronce y el mármol, pasando por la terracota y la piedra. Algunas de sus esculturas más conocidas estuvieron inspiradas por la actriz Greta Garbo, de quien era un gran admirador. Sin embargo, sus obras más representativas son El violinista (1920), Kiki de Montparnasse (1928), la monumental escultura Los aurigas olímpicos (1929), El profeta (1933, sin duda su creación más conocida, de la que hay copias en numerosos museos del mundo) y Urano (1933). También son dignos de destacar sus grupos escultóricos basados en la Cabalgata de las valkirias, de Richard Wagner, en el proscenio del Palau de la Música Catalana de Barcelona.

En 1985 se inauguró en el Palacio de Argillo de Zaragoza el Museo Pablo Gargallo, con un importante centro de documentación sobre su obra y la de otros artistas.

Enlaces de interés

Casa Museo Pablo Gargallo (Su casa natal en Maella. En español).

Clasicismo y experimentación: Pablo Gargallo (Arte de Ayer y de Hoy. En español).
Gargallo Catalán, Pablo (Gran Enciclopedia Aragonesa. En español).
Museo Pablo Gargallo (Web del Ayuntamiento de Zaragoza. Buenos enlaces. En español).
Pablo Gargallo (1881-1934) (“Personajes de Aragón”, en Aragón es así. En español).
Pablo Gargallo. Biografía y obra (ArteEspaña. En español).
Pablo Gargallo: El escultor del aire (La República de Esmirna, 11.11.2007. En español).
Pablo Gargallo. El profeta (Pàgina de Ciències Socials. En español).
Pablo Gargallo (1881-1934). Escultor aragonés, artista universal (Con abundante información. En español).

Pablo Gargallo: "Gran bailarina II" (Creha. En español).
Una obra de arte: "Urano" de Pablo Gargallo (Lagarto Rojo, 6.6.2012. En español).
A. Ansón: “Pablo Gargallo y el nacimiento de la modernidad. Literatura, fotografía y cine” (en Archivo Español de Arte, LXXXIV, 333, enero-marzo 2011, pp. 59-90. En español).
J. Gállego: “Pablo Gargallo, escultor” (Colegio Libre de Eméritos. Vídeo, en español).
R. Miranda: “La vida con un escultor como Pablo Gargallo” (El Periódico de Aragón, 16.2.2003. Entrevista 

a su hija Pierrette. En español).

40. - Paul KANE

(Mallow, condado de Cork, Irlanda, 3 de septiembre de 1810 – Toronto, Canadá, 20 de febrero 

de 1871)

Sello emitido en 1971 por el correo de Canadá con motivo 

del centenario de la muerte de Paul Kane; reproduce su pintura 

Campamento indio junto al lago Hurón (1850). 

(Valor facial: 7 centavos de dólar)

Paul Kane, uno de los artistas más notables de Canadá, era el quinto de nueve hermanos, hijos de 
un soldado inglés destinado a Irlanda que emigró con su familia entre 1819 y 1822 y se estableció en 
la entonces pequeña ciudad de York (la actual Toronto).

A principios de la década de 1830, Paul recibió clases de pintura en el Upper Canada College, y en 1834 expuso sus primeros cuadros en una afamada sociedad de artistas de la ciudad, que fueron elogiados en el periódico local The Patriot. Aquellas críticas positivas serían el punto de partida de su exitosa carrera artística.

Aquel mismo año fue a trabajar a una fábrica de muebles de Coburg y pintó varios retratos de personas destacadas del lugar, y en 1836 se estableció en Detroit, donde conoció al artista James Bowman, quien le recomendó completar sus estudios en Europa, lo que no pudo hacer por falta de medios económicos. Recorrió entonces el Medio Oeste de los Estados Unidos y llegó hasta Nueva Orleáns, donde dio prueba de su afán aventurero embarcándose, sin apenas dinero, hacia Marsella; al no poder pagarse los estudios artísticos, vagabundeó por buena parte de Europa para visitar los museos más importantes. Sus pasos le llevaron a París y luego a Londres, donde conoció a George Catlin, que había recorrido las praderas norteamericanas y plasmado en sus pinturas a los nativos de aquellas tierras, quien pronosticó que las culturas originarias estaban en trance de desaparecer, 
lo que animó a Paul Kane a imitarlo para dejar documentada la vida diaria de los “indios”.

En 1843 regresó a Canadá y empezó a recorrer todo el país, de este a oeste, y el norte de los Estados Unidos; se asentó durante una temporada a orillas del lago Hurón, un paraje casi inexplorado en 
el que realizó los bocetos de algunas de sus pinturas más conocidas. Sería prolijo pormenorizar los numerosos viajes de Kane durante unos años de vida aventurera que sirvieron para enriquecer 
su obra.

Entre 1841 y 1846 realizó una serie de pinturas por encargo del Parlamento canadiense, que le reportaron 500 libras, una suma importante con la que pudo vivir holgadamente. En aquella época pintó más de 120 lienzos, algunos de los cuales se mostraron en la Exposición Universal de París de 1855 e incluso fueron ofrecidos a la reina Victoria del Reino Unido.

En 1859 publicó un libro de gran éxito, que fue traducido muy pronto al francés, alemán y danés: The Wanderings of an Artist among the Indians of North America from Canada to Vancouver's Island and Oregon through the Hudson's Bay Company's Territory and Back Again (‘Las andanzas de un artista entre los indios de América del Norte desde Canadá hasta la isla de Vancouver y Oregón a través del Territorio de la Compañía de la Bahía de Hudson y su regreso’). En los últimos años de su vida perdió casi completamente la vista y vivió recluido en su residencia de Toronto.

Enlaces de interés

About Paul Kane (1810-1871) - Canadian Painter of ‘Scalp Dance by Spokane Indians’ (Modern American Poetry. Varios autores, con ilustraciones. En inglés).

Kane, Paul (National Gallery of Canada. En inglés).
Paul Kane, Person of National Historic Significance (Parks Canada, 2009. En inglés y francés).
Paul Kane: Truth and Mysteries (Royal Ontario Museum. En inglés).
Paul Kane Facts (Your Dictionary. Biografía e ilustraciones. En inglés).
Paul Kane House (Historic Houses. En inglés).
Paul Kane’s Coburg 1833-1834 (Art Gallery of Northumberland, Coburg, Ontario. En inglés).
The Art of Paul Kane (interesante página web interactiva, en inglés y francés).
B.L.H.: “Artist as Buffalo Hunter: Paul Kane and the Red River Half-breeds” (Minnsota History, 12.1959, 

pp. 309-314. Con ilustraciones. En inglés).
C. A. Arellano: “Paul Kane pintó a los pueblos originarios que vivían en el oeste de Canadá” (blog Gigantes que desaparecen, 7.2012. En español).

G. Budner: “Paul Kane Goes West” (National Film Board. Documental, 1972; descargable. En inglés).
J. S. MacLaren: “’I Came to Rite Thare Portraits´: Paul Jane’s Journal of his Western Travels, 1846-1848” 

(The American Art Journal, Vol. 21, No. 2, 1989. En inglés).
J. Russell-Harper: “Kane, Paul” (Dictionary of Canadian Biography, vol. 10. En inglés y francés).

39. - Egon Erwin KISCH

(Praga, Chequia, Imperio austrohúngaro, 29 de abril de 1885 – Praga, Checoslovaquia, 31 de marzo de 1948) 

Sellos emitidos por la República Democrática Alemana y la República Federal de Alemania, 

en 1985, con motivo del centenario del nacimiento de Kisch. 

(Valores faciales: 35 y 60 Pfennig, respectivamente)

Tras finalizar sus estudios en la Deutsche Karls Universität Prag (Universidad Alemana Carolina 
de Praga), en 1905 el periodista, reportero y escritor checo de expresión alemana Egon Erwin Kisch 

–nacido en el seno de una familia judía– se inscribió en la Escuela de Periodistas de Berlín, y al año siguiente ya colaboraba como reportero en el diario liberal Bohemia de su ciudad natal.

Enrolado en el ejército austrohúngaro en 1914, al estallar de primera guerra mundial, combatió en 
el frente de Serbia, y en 1917 fue trasladado a Viena como reportero de guerra. Fue allí donde empezó su verdadera carrera periodística, sobre todo al cofundar la Federación Revolucionaria Socialista Internacional y dirigir el órgano de ésta, Die rote Garde (‘La Guardia Roja') y el semanario Der freie Arbeiter (‘El Trabajador Libre’), de clara tendencia comunista. Sin embargo, hasta 1919 no se afiliaría al Partido Comunista de Austria. Ello le permitió viajar a la Unión Soviética, los Estados Unidos y China, desde donde escribió los primeros reportajes que le valdrían su reconocimiento tanto en Austria como en Alemania.

Durante la década de 1920 residió en Berlín. No tuvo problemas hasta que se produjo el incendio del Reichstag (febrero de 1933), cuando fue detenido, encarcelado y más tarde deportado a su país, al ser ciudadano checoslovaco. Entre 1934 y 1935 viajó a Australia, cuyo gobierno intentó impedirle la entrada por su no disimulada afiliación comunista.

En 1938 se enroló en las Brigadas Internacionales para luchar al lado de los republicanos españoles, y estuvo al mando del Batallón Masaryk de la 129.ª Brigada. El 1939, tras la victoria de las tropas sublevadas, huyó de España y se refugió en los Estados Unidos, y al año siguiente se exilió a México, donde residió hasta 1946 cuando, finalizada la segunda guerra mundial, regresó a Praga.

Por su labor como periodista y, sobre todo, como reportero, fue reconocido como uno de los mejores profesionales en lengua alemana, y homenajeado por el judaísmo en todo el mundo. Aun así tuvo problemas con las nuevas autoridades checoslovacas y con algunos sectores de la comunidad judía praguense, ante los cuales proclamó: “Soy alemán. Soy checo. Soy judío. Provengo de una buena familia. Soy comunista. Algo de eso ha de poder favorecerme”.

Además de sus crónicas y reportajes, Egon Erwin Kisch escribió numerosos relatos y publicó cuatro libros de ensayo político y una autobiografía (Soldat im Prager Korps, 1922) que obtuvo una gran popularidad en su época.

En 1993, parte de su obra fue reeditada en la República Federal de Alemania, donde desde 1977 se otorga anualmente, con su nombre, un premio al periodismo comprometido.

Enlaces de interés

Egon Erwin Kisch - Mis tatuajes (blog Translatonia, 24.3.2008. En español).

Egon Erwin Kisch, Escritor y periodista checo que llegó a México gracias al Cónsul Bosques (Diario Judío, México, 18.11.2011. En español).
Alfonso: “Egon Erwin Kisch” (blog Elreinodeestemundo, 19.08.2007. En español).
H. D. Caro A.: “Egon Erwin Kisch: Un vistazo al mundo” (Revista Literaria Azul@rte, 14.8.2011. En español).
C. Pontel: “Egon Erwin Kisch y la tarea del periodista” (Río Bravo, 24.9.2014. En español).
C. Rasmussen: “Kisch, Egon Erwin (1885–1948)” (Australian Dictionary of Biography, Vol. 15, 2000. En inglés).
F. Schmidt: “Los ‘Descubrimientos en México’ de Egon Erwin Kisch” (en R. von Hanffstengel: México, el exilio bien temperado. México, UNAM, 1995, pp. 73-81. En español).
H. Segel(Ed.): “Egon Erwin Kisch, the Raging Reporter. A Bio-Anthology” (Project Muse, 1997. En inglés).
J. Simkin: “Egon Erwin Kisch” (Spartacus Educational, 9.1997. En inglés).
S. Spector: “Kisch, Egon Erwin” (The Yivo Encyclopedia of Jews in Eastern Europe, 2010. En inglés).

38. - DÍA DE MUERTOS, México

Pareja de sellos dedicada al Día de Muertos, 

emitida por Correos de México en 2012. 

(Valor facial de cada sello: 7 pesos)

El Dia de Muertos es una tradición de origen mesoamericano que se celebra todos los años en México el 2 de noviembre, día de los Fieles Difuntos y de todas las Almas, aunque en realidad empieza el día 1, fiesta de Todos los Santos. Pese a que se ha popularizado menos, también se celebra en otros países de la América central y en varios lugares de los Estados Unidos donde se concentran comunidades mexicanas importantes. En 2003 fue declarada por la UNESCO Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.

Sus orígenes se remontan a hace unos tres mil años, cuando los pobladores de diversas regiones mesoamericanas (aztecas, mayas, nahuas, etc.) celebraban rituales en recuerdo de sus ancestros, cuyos cráneos, que simbolizaban la muerte y el renacimiento, se solían conservar para mostrarlos 
en tales ritos. Con el tiempo, las ceremonias se establecieron en el noveno mes del calendario azteca (aproximadamente en el actual mes de agosto), y duraban un mes entero. Las presidía el dios Mictecacihuatl, conocido como la "Señora o Dama de la Muerte" (a la que equivaldría la actual Catrina, o Calavera Garbancera).

Los misioneros católicos que llegaron a tierras mexicanas para evangelizarlas no se atrevieron a prohibir tales celebraciones, sino que manipularon la mentalidad popular para trasladarlas al día en que la Iglesia católica conmemora a los Fieles Difuntos, tal como ya habían hecho con la tradición celta del Samhain, que ha acabado convirtiéndose en la fiesta de Halloween.

La tradición, en México, consiste en hacer ofrendas para honrar a los espíritus de los familiares o antepasados fallecidos, montando para ellos coloridos altares adornados con flores, velas o cirios y retratos de difuntos. Todo se desarrolla en un ambiente festivo, incluso con toques de humor para alejar así los temores y las supersticiones que se suelen relacionar con la muerte. Muchas de esas ofrendas son comestibles, generalmente dulces, y bebidas que consumen los celebrantes durante 

la fiesta.

Los cráneos, ya sean en forma de grabado o incluso de azúcar o chocolate (“calaveras de dulce”) son parte importante de las decoraciones. También son habituales los denominados “panes de muerto”, unos panecillos dulces que representan la eucarestía, introducidos por los misioneros, al igual que 

la cruz.

Las familias visitan las tumbas de sus allegados, las limpian y las cubren de flores (sobre todo las de cempasúchil que, según las tradiciones ancestrales, simbolizan el resplandor del sol y el origen de todo).

Enlaces de interés

Día de Muertos (Wikipedia, con abundante información pormenorizada. En español).
Día de Muertos, así se celebra en México (Terra. 20 fotografías. En español).
El Día de Muertos en México (México desconocido, 2014. En español).
La ofrenda de Día de muertos, un ritual de la memoria (Cultura Colectiva, 24.9.2014. En español).
¿Qué lleva una ofrenda de Día de Muertos? ¿Qué significa cada elemento? (SDPnoticias, 2013. En español).
M. É. De la Luz Márquez: “Tradición del día de muertos patrimonio cultural de la humanidad” (Imagen Radio, México, 9.11.2012. En español).
M. Herz: “Day of the Dead  - El Dia de Muertos” (Inside Mexico. En inglés).
A. Lázaro-Tinaut: “El Día de Todos los Santos: la muerte como objeto de culto y de fiesta (con México en el horizonte)” (bitácora Transeúnte en pos del norte, 1.11.2010. En español).
C. Miller: “Day of the Dead history: Ritual dating back 3000 years” (AzCentral, Arizona, 22.10.2014. Con un vídeo. En inglés).
K. Murillo: “Cinco maneras de celebrar a la Muerte” (About en español).
M. Á. Sánchez Tapia: “El culto a los muertos” (Universidad Autónoma del Estado de México, En español).
A. Tapia: “Cómo se festeja el Día de muertos en México” (iMujer/Nuestro Rumbo, 31.10.2013. En español).

37. - Nicolai POLIAKOFF (Nicholai Poliakovs), “Coco”

(Dvinsk, Imperio ruso [hoy Daugavpils, Letonia], 2 de octubre de 1900 – Peterborough, Reino Unido, 25 de septiembre de 1974)

Sello emitido por el correo de Gibraltar el 4 de marzo de 2002, dentro 

de una serie dedicada a payasos célebres, con la imagen de “Coco”. 

(Valor facial: 42 peniques)

Nicolai Poliakoff, como fue conocido internacionalmente (aunque se le menciona a menudo como Nicholai Poliakovs; su nombre en letón era Nikolajs Poļakovs), nació en el seno de una familia de comediantes y músicos callejeros judíos rusos que se había establecido en el este de Letonia a finales del siglo XIX. 

Criado en un ambiente de miseria, a la edad de ocho años decidió huir y viajó en tren a Vitebsk (en 

la actual Bielorrusia), donde se presentó como huérfano al dueño de un circo, que lo admitió en su “troupe” y lo puso a la órdenes del payaso y acróbata Vitali Lazarenko (1890-1939), que luego se convertiría en una figura destacada del circo en la Unión Soviética.

Más tarde, alentado por su padre, aprendió los secretos del oficio de la mano de los hermanos Truzzi, unos italianos que habían montado un circo en Rusia, los cuales lo apodaron cariñosamente Koshka (‘gato’, en ruso), palabra de la que derivaría su nombre artístico: “Coco”. Se convirtió así en un polifacético payaso Augusto.

Al estallar la guerra civil rusa fue reclutado por el Ejército Rojo, del que desertó para volver al circo. En 1919 conoció en Riga a Valentina Novikova (1901-1983), con quien se casó y tuvo seis hijos. Ambos trabajaron para el recién creado Circo Estatal soviético, con el que recorrieron gran parte 

de Rusia, y en 1926 crearon su propio circo en Lituania. 

En 1929, sin embargo, Nicolai tuvo la suerte de poder actuar en el famoso Circo Busch de Berlín, desde donde viajó a Birmingham y se estableció con su esposa y sus hijos en la Gran Bretaña. Durante la segunda guerra mundial se alistó como auxiliar en el Pioneer Corps del ejército británico, y trabajó en el Blackpool Tower Circus.

Terminada la guerra fue contratado por el famoso Bertram Mills Circus de Londres, donde actuó hasta que éste cerró, en 1967. Allí fue donde obtuvo sus mayores éxitos y su nombre se popularizó. En 1949, tanto él como Valentina obtuvieron la nacionalidad británica, y en 1963, ya en el ápice de 

la fama, fue nombrado Oficial de la Excelentísima Orden del Imperio Británico (OBE).

Su labor circense fue continuada por su hijo Michael (que imitaba muchos de sus números) y su hija Tamara, fundadora del primer circo en el Reino Unido en el que no se utilizaban animales.

En 1967 se publicó su autobiografía: Coco the Clown, By Himself.

Enlaces de interés

Clowns pay tribute on 40th anniversary of death of Coco (Peterborough Telegraph. En inglés).
Coco the clown (V&A. Fotografía y breve texto en inglés).
Coco The Clown 1966 (Brithish Pathé. Vídeo, en inglés).
Coco The Clown: Gallery (Ian Hendry Official Website. Fotografías. En inglés).
Coco the Clown - Nicolai Poliakoff (1900-1974) (Big Red Book. Con un video y fotografías. En inglés).
Coco The Clown, This Is Your Life (Youtube. Vídeo, en inglés).
Nicolai Poliakoff – Biography (JewAge. En inglés).
Nicolai Poliakoff: more history of Coco the Clown (Blog Clowns, 24.8.2010. Datos básicos. En inglés).
D. Stacey: “Polakovs [Poliakoff, Poliakov], Nicholai” (Oxford Dictionary of National Biography. En inglés).
J. V. Ward: “Coco” (Circopedia. En inglés).

36. - Kristijonas DONELAITIS

(Lazdynėliai, Reino de Prusia [Lasdinehlen en alemán, actualmente Vishnevka, óblast de Kaliningrado, Rusia], 1 de enero de 1714 – Tolminkiemis [Tollmingkehmen en alemán, 

actualmente Chistye Prudy, ídem], 18 de febrero de 1780)

Sello emitido por el correo de la Unión Soviética en 1964 

para conmemorar el 250 aniversario del nacimiento de Donelaitis. 

(Valor facial: 4 cópecs)

Sello dedicado a Kristijonas Donelaitis, emitido por 

el correo de Lituania el 26 de marzo de 1994. 

(Valor facial: 60 céntimos de litas)

Sello emitido por el correo de Lituania el 4 de enero de 2014 

para conmemorar el tricentenario del nacimiento de Donelaitis. 

(Valor facial: 1,55 litai)

Hijo de campesinos libres, el poeta y pastor protestante lituano Kristijonas Donelaitis era originario de la denominada Lituania Menor, territorio prusiano que ahora forma parte del exclave ruso de Kaliningrado, a orillas del mar Báltico. Estudió en una escuela de Königsberg (patria del filósofo Immanuel Kant), la actual Kalinigrado rusa, y luego en un seminario del que salió en 1743 como pastor de la Iglesia Evangélica Luterana.

Desde joven empezó a escribir poesía en alemán y lituano, además de dedicarse a la composición musical y la construcción de instrumentos de música, así como de barómetros, dispositivos ópticos 

y otros artilugios, lo que demuestra una buena formación artística, científica y técnica. Ya en 1740 compuso unas fábulas (publicadas póstumamente en 1824) y varios cuentos de trasfondo moral, donde está muy presente la tradición popular.

A pesar de que su obra no se divulgó ampliamente hasta principios del siglo XX, se le considera por unanimidad el fundador de la literatura lituana. De hecho, su obra más notable, el poema Metai (‘Las estaciones del año’), escrito entre 1765 y 1775, se ha establecido como punto de partida de la poesía en lengua lituana. Este extenso poema (más de 3000 versos) no se dio a conocer, sin embargo, hasta 1818, cuando Ludwig Rhesa (Liudvikas Rėza, en lituano) lo editó acompañado de una traducción al alemán (fue él quien tituló así la composición); pero por aquel entonces tuvo una difusión limitada.

Metai está escrito en hexámetros y describe, con cierto sentido del humor (aunque no exento de matices didácticos basados en la cosmovisión cristiana de su autor), la vida del campesinado en su región natal. En el poema se mezclan fragmentos líricos, sobre todo en la contemplación de los paisajes, con la sátira y la caricatura grotescas, especialmente al referirse a los ricos terratenientes germánicos.

Poco más se sabe de la biografía de este personaje tan importante para la literatura lituana, quizá 

por la modestia en que vivió, fiel a su condición de eclesiástico luterano. Metai se ha traducido, además de al alemán, a numerosas lenguas: inglés, ruso, bielorruso, ucraniano, polaco, húngaro, letón, checo, sueco, georgiano y armenio, entre otras. La versión castellana, a cargo de Carmen Caro, se publicó en 2013.

Bronius Kutavičius compuso en 2005 un oratorio basado en “Las alegrías de la primavera” de Metai.

Enlaces de interés

2014 – The Year of Kristijonas Donelaitis (Lithuanian Publishers Association. En inglés).
Donelaitis.it (sitio web dedicado a K. Donelaitis, con abundante información. En italiano).
Donelaitis, Kristijonas (The Free Dictionary. En inglés).
Donelaitis, "el poema lituano" o traducción a dos manos (El blog de Adaldrida, 26.9.2013. En español).
Museum of Kristijonas Donelaitis (En inglés).
Outline of Kristijonas Donelaitis’ 300th Birth Anniversary 2010–2014 Programme (En inglés).
Poem “The Seasons“ by Kristijonas Donelaitis in Linocuts by Vincas Kisarauskas (Šiauliai Aušros Museum, 2014. En inglés).
The Seasons (poem) (Wikipedia. En inglés).
Ch. Donelaitis: Litauische Dichtungen (San Petersburgo, 1865) (Digitalizado. En alemán).
A. Cerri: “Profilo biografico e linguistico di Kristijonas Donelaitis” (en S. Cappellari & G. Colombo: Letteratura lituana, pp, 65-71. En italiano).
B. Ciplijauskaitė: “Donelaitis' The seasons: Belated epic or foretaste of romanticism?” (Journal of Baltic Studies. Vol. 14, Issue 2, 1983, pp. 91-98. En inglés).
R. Šimbajoris: “Kristijonas Donelaitis, A Lithuanian Classic” (Slavic Review. Vol.  41, 2, Summer 1982).