55. - Ananda SAMARAKOON

(Padukka, Ceilán [Imperio británico, actual Sri Lanka], 13 de enero de 1911 – Colombo?, Ceilán independiente,  5 de abril de 1962)

Sello dedicado a Ananda Samarakoon, emitido por 

el servicio postal de Sri Lanka el 22 de mayo de 1989. 

(Valor facial: 0,75 rupias)

Egodahage George Wilfred Alwis Samarakoon, conocido como Ananda Samarakoon, fue uno de 

los más importantes compositores de su país y el autor de su himno nacional (con la letra de un poema de Rabindranath Tagore), establecido oficialmente en 1951. Está considerado el fundador 

de la música cingalesa moderna y de la Geeta Sahitya (‘Canción literaria’).

Al término de sus estudios secundarios empezó a interesarse seriamente por la música, de la que acabaría siendo profesor. Más tarde, animado por su gurú cingalés, viajó a la India para completar sus estudios musicales y artísticos en la Universidad Visva-Bharati de Santiniketan (Bengala), fundada por Tagore.

A su regreso a Ceilán abrazó el budismo (era hijo de una familia cristiana) y adoptó el nombre por 

el que es conocido. Entre 1938 y 1942 trabajó como profesor de música en el renombrado Colegio Mahinda de la ciudad de Galle. Fue durante aquella época, concretamente en 1940, cuando compuso el que se convertiría en himno nacional de su país, con el título de Namo Namo Mata.

Con esa composición y con la canción Endada Menike inició su tarea de crear una música basada 

en la tradición popular cingalesa, ya que en Ceilán se había adoptado una variante de la música ragadhari, característica de Bengala. Endada Menike, una canción de amor, obtuvo rápidamente un gran éxito, por lo que Samarakoon continuó componiendo canciones de ese nuevo género durante gran parte de la década de 1940: entre las más conocidas se pueden mencionar Podimal Etano, Asay madura, Sumano y Siri Saru Saara Ketay.

En 1945, tras la muerte de su primer hijo, de cinco años, se estableció de nuevo en la India, abandonó momentáneamente la música, se dedicó con éxito a la pintura, otra de sus pasiones, y expuso sus obras en varias ciudades. En 1951, sin embargo, regresó a su país, ya independiente, y reemprendió su carrera musical.

La adopción de su Namo Namo Mata como himno nacional, con el nombre de Sri Lanka Matha, y 

la traducción de su letra a las otras lenguas cooficiales en el Ceilán independiente desde 1948 (el país no se denominaría Sri Lanka hasta 1972), le produjo muchos disgustos, primero por las críticas de algunos sectores de la sociedad, y más tarde por la decisión unilateral del gobierno, sin consultarle, de cambiar algunas palabras de la letra. Ello lo sumió en una profunda depresión, ya que suponía 

una traición a su admirado Tagore y una gran falta de respeto a él mismo, y el 5 de abril de 1962 fue encontrado muerto en su cama: se había suicidado tomando una sobredosis de somníferos.

Enlaces de interés

- “Ananda Samarakoon” (en last.fm. Con tracks a 10 composiciones suyas. En inglés).
- “Ananda Samarakoon” (en Sinhala Jukebox. Con tracks a 33 composiciones suyas. En inglés).
- “Ananda Samarakoon” (en Srilankan Music, 11.2009. Con datos biográficos. En inglés).
- “Ananda Samarakoon” (en Travel to Sri Lanka, 6.9.2009. En inglés).
- “Ananda Samarakoon - 19 Songs” (en sarigama.lk. 19 composiciones suyas descargables. En inglés).
- “Ananda Samarakoon Music Videos” (en OVguide. Con vídeos de composiciones suyas. En inglés).
- “Composer of the Sri Lanka National Anthem Ananda Samarakoon’s birth centenary commemorates” (en Department of Cultural Affairs, State Ministry of Cultural Affairs. En inglés).
- “Rabindranath Tagore's on Ananda Samarakoon” (Dharmaraja College. En inglés).
- I. Bamunuarachchi: “Vasu - Do not kill Ananda Samarakoon again” (en Asian Tribune, 1.2.2013. En inglés).
- A. S. Fernando: “Remembering Ananda Samarakoon” (en The Nation, Colombo, 20.3.2011. En inglés).
- K. Hettiarachchi: “When words killed a great man” (en Sunday Times, Colombo, 4.2.2001. En inglés).
- S. Saparamadu: “Ananda Samarakoon - The composer of our national anthem” (en Sunday Observer, Colombo, 14.5.2006. En inglés).

54. - Charles BERNHOEFT

(Luxemburgo, 22 de julio de 1859 – Beggen, Luxemburgo, 7 de febrero de 1933)

Sello dedicado a Bernhoeft, emitido por el correo 

de Luxemburgo el 12 de mayo de 2009. 

(Valor facial: 0,90 euros)

Carl Michael Bernhoeft, conocido como Charles Bernhoeft, fue un destacado fotógrafo luxemburgués, especializado en retratos y paisajes. Se le conoce como "el fotógrafo de la Belle Époque”, ya que fue muy activo entre 1887 y 1910.

Empezó su carrera siendo muy joven, cuando en 1878 se incorporó al estudio que uno de los pioneros de la fotografía en su país, Anton Mehlbreuer, había abierto en 1866. Allí se especializó en el retrato 

y fue adquiriendo renombre, hasta el punto de que en 1891 se convirtió en fotógrafo oficial de la corte del Gran Ducado.

Además de retratar a multitud de personalidades, tanto de su pequeño país como de otros, realizó numerosas y espléndidas fotografías paisajísticas, muchas de las cuales quedaron inmortalizadas en tarjetas postales, que él mismo comercializaba, y en “álbumes” que se disputaban la aristocracia y la burguesía luxemburguesas de la época.

En 1895, juntamente con el periodista Jean-Nicolas Moes, fundó el primer semanario luxemburgués ilustrado con fotografías, Das Luxemburger Land in Wort und Bild (‘El país luxemburgués escrito y con imágenes’), cuya publicación duró apenas nueve meses pero que fue un magnífico precedente del género en el periodismo del país.

Por otra parte, se le debe la invención de un artilugio que permitía hacer fotos de interiores mediante un flash indirecto de magnesio. Ello le proporcionó pingües beneficios, pues lo patentó y vendió unos trescientos ejemplares a fotógrafos profesionales europeos.

Además de trabajar activamente en su país, también lo hizo en Alemania, Francia, los Países Bajos 

y Bélgica, como atestiguan álbumes con fotografías suyas de las ciudades de Estrasburgo y Metz (entonces alemanas), Colonia, Tréveris, París y Amberes, además de otros con imágenes del valle 

del Rín, el Palatinado Renano y los Vosgos. En algunos momentos de su carrera también se dedicó 

a la fotografía publicitaria.

Entre sus trabajos más importantes se encuentra la serie de fotografías que recoge el proceso de construcción del Gran Puente Adolfo de la ciudad de Luxemburgo (1904), un importantísimo documento gráfico.

Su obra ha sido objeto de diversas exposiciones y se encuentra entre los fondos del Museo Nacional de Historia y Arte de Luxemburgo.

Enlaces de interés

- “Bernhoeft, Charles” (en WorldCat Identities. Con enlaces a obras suyas. En inglés).
- “Bernhoeft, Charles” (en Gallica, Bibliothèque numérique. Reproducciones de fotografías suyas. En francés).
- “Charles Bernhoeft” (en lagrandebiblioteca.com. Datos biográficos. En italiano).
- “Charles Bernhoeft” (en Wikiwand. Con biografía y reproducciones de obras suyas. En luxemburgués).
- “Charles Bernhoeft - Le Luxembourg Pittoresque (1893)” (serie de fotografías).
- Ch. Mosar: “Exposition Charles Bernhoeft” (en forum.lu, 254 (2006). Con información biográfica y reproducciones de fotografías suyas. En francés).
- M. L. Rolland: “Les photographies de Charles Bernhoeft au Musée Dräi Eechelen” (en Luxemburger Wort, 2.6.2014. En francés). 

53. - Bruno SCHULZ

(Drohobycz [Дрогобич, actualmente en Ucrania], Galitzia, Imperio austrohúngaro, 12 de julio 

de 1892 – ídem, Gobierno General de los territorios ocupados por el Tercer Reich alemán, 19 de

noviembre de 1942)

Sello dedicado a Bruno Schulz, emitido por el correo 

de Polonia el 26 de octubre de 1992. 

(Valor facial: 3000 złotych)

El narrador, ensayista, pintor y artista gráfico Bruno Schulz está considerado uno de los autores en prosa más destacados de la literatura polaca del siglo XX.

Era hijo de comerciantes judíos asimilados. Estudiante brillante, al terminar el bachillerato (1910) 

se inscribió en la facultad de Arquitectura del Instituto Politécnico de Lwów (la actual Lviv [Львів] ucraniana), pero a causa de delicados problemas de salud tuvo que interrumpir los estudios al cabo de un año y no los reanudó hasta 1913; sin embargo, al estallar la primera guerra mundial y a causa de la muerte de su padre, en 1915, se vio obligado a abandonarlos. 

En aquella época estableció contacto con un grupo de artistas judíos de su ciudad natal, que le ayudaron en su formación autodidacta como pintor, y demostró pronto un gran talento, hasta el punto de que poco después consiguió un empleo estable como profesor dibujo. Al mismo tiempo trabajó en la realización de una famosa serie de grabados titulada Księga Bałwochwalcza (‘El libro idólatra’, 1920-1922) y poco después expuso su obra en varias ciudades.

También empezó a escribir relatos, que admiraron a la entonces famosa escritora socialista polaca Zofia Nałkowska, quien se convertiría en su protectora. Gracias a ella consiguió publicar su primer libro de narrativa breve y una de sus novelas más conocidas, Sklepy cynamonowe (‘Las tiendas de color canela’, 1933), muy bien acogida por la crítica. Entre sus novelas destaca también Sanatorium pod Klepsydrą (‘El sanatorio de la Clepsidra’, 1937, con 42 ilustraciones suyas). Algunas de sus obras, sin embargo, se perdieron durante la segunda guerra mundial, y poca cosa de lo que escribió 
y no publicó en vida se pudo recuperar y editar póstumamente.

Schulz publicó, además, numerosos relatos en revistas y periódicos, y varios ensayos literarios. Tradujo al polaco El proceso de Kafka, escritor al que le unían muchas afinidades (aunque algunos especialistas creen que esa versión se debe, realmente, a su novia, Józefina Szelińska, y que de su pluma salió solamente el brillante prólogo introductorio). Por otra parte, varias obras suyas se han adaptado para el teatro y el cine.

En el año 1939 su vida sufrió un brusco y trágico cambio a causa de las persecuciones antisemitas emprendidas por la Alemania nazi, que había invadido Polonia, y de las tensiones que surgieron entre polacos y ucranianos. En 1941 fue relagado a un gueto, y el 19 de noviembre del año siguiente, en el cruce de las calles Mickiewicz y Czacki de su ciudad natal, un oficial de la Gestapo le descerrajó, a sangre fría, dos tiros en la cabeza. Su cuerpo, arrojado a una fosa común, jamás ha sido encontrado.

Algunas cartas suyas se publicaron en 1975 con el título Księga listów (‘Libro de cartas’). También se han publicado póstumamente varios fragmentos inéditos recuperados. Unas trescientas piezas de su obra gráfica se conservan en el Museo de la Literatura Adam Mickiewicz de Varsovia.

Enlaces de interés

- “Bruno Schulz” (página oficial. En inglés, polaco y ucraniano).
- “Bruno Schulz” (en Culture.pl. En inglés, polaco y ruso).
- “Bruno Schulz” (en El funàmbul, 1 (2014), Monogràfics. Varios artículos. En catalán).
- “Bruno Schulz (1892-1942)” (en InfoPoland, Buffalo. Con numerosos enlaces. En inglés).
- “Bruno Schulz y los mundos desbordados” (en Escritores que nadie lee, 26.3.2015. En español).
- “The Art of Bruno Schulz” (con información biográfica. En inglés).
- E. Bronner: “Behind Fairy Tale Drawings, Walls Talk of Unspeakable Cruelty” (en The New York Times, 27.2.2009. En inglés).
- J. Gordon: “The Strange Afterlife of Bruno Schulz” (en Michigan Quarterly Review, 2004. En inglés).
- D. Grossman: “The Age of Genius: The legend of Bruno Schulz” (en The New Yorker, 8.6.2009. En inglés).
- M. Ordóñez: “Bruno Schulz: nadando en un Chagall sumergido” (en el blog Bulevares periféricos de El País, Madrid, 24.10.2012. En español).
- E. Paz Soldán: “Bruno Schulz: La contraofensiva de la fantasia” (en El Boomeran(g), 12.1.2009. En español).
- C. Power: “A protest against reality: the life and afterlife of Bruno Schulz” (en New Statesman, 30.4.2015. 

En inglés).
- M. Soler: “Bruno Schulz com a pretext” (en Núvol, Barcelona, 26.2.2015. En catalán).
- A. Zagajewski: “Bruno Schulz, el otoño al acecho” (traducción de Ricardo García Pérez, en Revista Minerva, 07. En español).

52. - LA DANZA ATTAN

La danza nacional attan en un sello emitido 

por el correo de Afganistán el año 2006. 

(Valor facial: 38 afganís)

La danza attan (اتڼ, en lengua pashtún) es tradicional entre los pashtunes del este de Afganistán y 

el noreste de Pakistán.

Considerado actualmente el baile nacional de Afganistán, según la tradición surgió como danza religiosa de los primeros seguidores de Zoroastro, unos dos mil años antes de nuestra era, aunque puede tener sus orígenes más remotos en la antigua Grecia, lo cual no está documentado. Sí lo está, en cambio, que fue una danza guerrera de los tiempos preislámicos y que luego, islamizada, se fue adaptando para las grandes celebraciones, como la del año nuevo y las fiestas familiares y reuniones tribales.

Generalmente se baila al aire libre, al ritmo de tambores dhol y palmadas, y la participación en ella suele ser multitudinaria: pueden llegar a formarse grupos de hasta un centenar de bailarines (a veces hombres y mujeres juntos), que agitan pañuelos rojos.

Durante siglos esta danza ha sido loada por los poetas pashtunes, y algunos místicos musulmanes la divulgaron por el Próximo Oriente y Turquía, donde pudo haber dado origen a la denominada danza rumi, practicada por los sufís.

La danza attan tiene numerosas variantes, que dependen de la zona donde se practica. Su duración también suele ser variable: puede quedar únicamente en cinco minutos o prolongarse durante horas.

Al iniciar la danza, los bailarines forman un círculo y empiezan a moverse, primero lentamente, y luego el baile se va acelerando a medida que los tambores incrementan su ritmo. Entonces, grupos 

de danzantes se separan, batiendo palmas o moviendo los brazos, pero se mueven siempre en sentido circular. En esta danza es importante, pues, el movimiento de manos y brazos, y, naturalmente, el de las piernas y los pies.

Los dhols que marcan el ritmo también son de tamaños distintos según cada región. A veces se utiliza también la tablah, o tambor de copa, y son frecuentes otros instrumentos complementarios, como la zurna, y más modernamente el armonio indio.

La vestimenta tradicional de los bailarines de attan incluye el tradicional pakol pashtún y la waskata (un chaleco grueso de lana), en el caso de los hombres, y los vestidos brillantes y coloridos, a veces adornados con pequeños espejos, en el de las mujeres.

Según la tradición religiosa de cada región (más o menos permisiva), la danza attan puede ser solo 

de hombres o de mujeres, sin que estén presentes personas del otro sexo. Sin embargo, en la mejor tradición de esta danza mujeres y hombres bailan juntos.

Ni siquiera los fundamentalistas talibanes, cuando tomaron el poder en Afganistán, se atrevieron 

a prohibir la danza attan, ya que ello hubiera contravenido el código de honor pashtún, aunque sí 

la adaptaron con frecuencia utilizándola como danza guerrera que ejecutaban ritualmente antes de entrar en combate. Por supuesto sólo permitieron que la ejecutaran hombres, aunque toleraron que en celebraciones privadas y dentro del ámbito familiar, en lugares cerrados, participaran mujeres. Ello da idea de la importancia de esta tradición en el país y, sobre todo, entre la mayoría pashtún 

(un 45 % de la población de Afganistán).

Enlaces de interés

- “#attan” (en Keek. Varios vídeos de la danza. Textos en inglés).
- “Attan” (Fata Reasearch Centre, 09.03.2012. En inglés).
- “Attan: A Warrior's Dance” (en Facebook. Con fotografías, vídeos y enlaces. En inglés).
- “Attan: Afghanistan’s National Dance” (en Virtual Afghans. Con fotografías. En inglés).
- “Attan: The National Dance of Afghanistan” (en The Lovely Planet, 28.05.2011. En inglés).
- “The Ancient Greek Origins of the Pashtuns' Attan Dance” (en Islamblog, 08.2009. En inglés).
- “Waziristan attan” (Tune.pk. Vídeo pakistaní).
- Afghanan: “Afghan Attan Dance” (en World Historia, 04.02.2010. En inglés).
- Ghanizada: “Revival of Attan: Afghanistan’s national dance” (en Khaama Press, 12.12.2014. Con fotografías. En inglés).
- Y. Isasmendi: “Attan: la danza tradicional afgana” (en La bitácora de Yerko, 08.2013. Con un vídeo. 

En español).
- I. Khan: “For the Love of Attan” (en I Opine, 14.08.2012. Información muy completa e interesante,
con videos de distintas modalidades de la danza. En inglés).
- S. Naqibullah: “Attan, the Afghan National Dance” (en Pashto Language Blog, 18.05.2012. Con un
video, introducido didácticamente en lengua pashtún. En inglés).

51. - Gabriel HAYES

(Dublín, Reino Unido de Gran Bretaña e Irlanda, 5 de agosto de 1909 – Dublín, República de Irlanda, 28 de octubre de 1978)

Sello emitido por el correo irlandés el 24 de febrero de 2005, 

en el que se reproduce la escultura Three Graces, de Hayes. 

(Valor facial: 65 céntimos de euro)

La escultora y pintora irlandesa Gabriel Hayes, hija de un arquitecto, estudió en el Dominican College de su ciudad natal y pasó tres años en Montpellier para aprender francés. Desde muy joven manifestó su vocación artística, encaminada inicialmente a la pintura, por lo que a su regreso de Francia se inscribió en la Metropolitan School of Art de Dublín, donde destacó muy pronto por sus grandes dotes.

Mediante becas pudo realizar viajes de estudios por Francia e Italia, donde tuvo ocasión de conocer de primera mano las creaciones de los grandes artistas del Renacimiento, lo cual la animó aún más a proseguir su carrera artística, pero decantándose ya por la escultura. En 1932 expuso por primera vez sus obras.

En 1936 se casó con el destacado arqueólogo Seán Ó P. Riordáin (1903-1957), profesor del University College de Cork, ciudad en la que el matrimonio estableció su residencia hasta 1943, cuando Seán fue nombrado catedrático de arqueología celta del University College de Dublín.

En 1953 fue invitada a participar en la exposición inaugural del Instituto de Escultores de Irlanda. 

A partir de aquel momento empezó a recibir encargos importantes, como una serie de esculturas de tamaño natural para la catedral de Galway y una Sagrada Familia, también de tamaño natural, para una escuela religiosa de Newbridge.

Su mayor éxito, sin embargo, fue el encargo por parte del Banco de Irlanda del diseño de las nuevas monedas decimales de bronce que se pondrían en circulación en 1971. Se inspiró para ello en unas aves ornamentales de un manuscrito conservado en la catedral de Colonia (Alemania), en una de las iluminaciones del Libro de Kells y en una ilustración de una Biblia de la Biblioteca Nacional de París. También diseñó una serie de siete medallas de plata, con episodios de la vida de san Patricio, por encargo del Franklin Mint de Pensilvania (Estados Unidos).

En 1977 ganó la prestigiosa medalla de oro Oireachtas por su escultura en madera de nogal Grainne Mhaol looking towards the sea (‘Grainne Mhaol mirando hacia el mar’). Cultivó sobre todo el arte religioso. Muchas de sus obras, como Three Graces (1941), se exhiben en diversos espacios públicos de Irlanda, y otras pertenecen a colecciones particulares.

Enlaces de interés

- “Department of Industry and Commerce, 23-28 Kildare Street, Dublin” (en el National Inventory of Architectural Heritage. Con fotografías de dos de las primeras esculturas que realizó. En inglés).
- “Fleischmann portrait by Gabriel Hayes 1938” (University College Cork. Fotografía. En inglés).
- “Gabriel Hayes” (en General-Books.net. Con lista de obras y bibliografía. En inglés).
- “Gabriel Hayes” (en Project Gutenberg Self-Publishing Press. En inglés).
- “Gabriel Hayes” (en Wikipedia. Con relación de sus obras principales. En inglés).
- “Gabriel Hayes” (en Wikiwand. Con reproducciones y lista de obras suyas. En inglés).
- “Gabriel Hayes  -  Artist 1909-1978” (en Parish of St. Jude the Apostle, Templeogue, Dublin. Con una relación de obras suyas y sus emplazamientos. En inglés).
- “Hayes, Gabriel” (Royal Irish Academy. Amplia biografía. En inglés).
- “The Three Graces. Gabriel Hayes, 1941” (en Statues - Hither & Thither, 09.06.2014. Con fotografías 

y localización. En inglés).
- J. Durney: “Gabriel Hayes, sculptor and artist” (en Co. Kildare Online Electronic History Journal, 11.05.2012. Interesante información biográfica. En inglés).
- P. Murphy: “Modern Ireland in 100 Artworks: 1943 – Three Graces, by Gabriel Hayes” (en The Irish Times, 23.05.2015. En inglés).

50. - MUSEO FILATÉLICO DE SINGAPUR

Sello emitido en 1995 por el correo de Singapur 

con motivo de la inauguración del museo. 

(Valor facial: 50 centavos de dólar de Singapur)

Este museo, dedicado a la historia postal de Singapur, ocupa un edificio construido en 1906 para albergar la escuela anglo-china, y que desde la década de 1970 acogió la Biblioteca Metodista de 

la ciudad. Después de una restauración a fondo se instaló en él el Museo Filatélico (Singapore Philatelic Museum, 新加坡集邮博物馆 en chino, lengua cooficial en el país), inaugurado el día 19 de agosto de 1995.

En sus salas se conserva una importante colección de sellos y efectos postales, así como numerosas piezas del servicio postal, tanto de la época de la ocupación y colonización británicas (1818-1959) como la de la autonomía (1959-1965) y de la República independiente, proclamada el 9 de agosto 

de 1965.

No faltan, por supuesto, los sellos emitidos durante la ocupación japonesa de Malasia, entre 1942 

y 1945, ni una curiosa falsificación alemana, realizada también durante la segunda guerra mundial, con un “error de impresión” que ridicularizaba la figura del rey Jorge VI de Inglaterra.

Los primeros sellos emitidos en Singapur son del año 1948, durante la colonización británica: se trata de una serie de veinte valores donde se representa al rey Jorge VI de perfil. Hasta la constitución del Estado autónomo (1959) se emitieron 42 sellos coloniales. A partir de la obtención de la autonomía (aunque sometida a la Gran Bretaña) la fisonomía de los sellos cambió y empezaron a aparecer en ellos motivos y símbolos locales, como la nueva bandera nacional (en una emisión de 1960).

El 16 de septiembre 1963, cuando se independizó Malasia, Singapur –junto con Sabah y Sarawak– decidieron unirse a la denominada Federación de Malasia, lo cual dio lugar a tensiones étnicas que acabarían con la separación definitiva de Singapur, en 1965. Durante aquel breve período de menos de dos años se continuaron usando sellos propios con la denominación Singapore.

Los primeros sellos de la República de Singapur consistieron en una serie de tres valores emitida en 1966, con motivo del primer aniversario de la independencia.

El museo sigue ese complejo recorrido histórico y muestra, a través de los sellos, la progresiva modernización del país. Hay en él, además, colecciones temáticas, se proyectan audiovisuales de grandes colecciones particulares y se organizan exposiciones temporales, algunas de las cuales se exhiben incluso en el extranjero. Cuenta, además, con una tienda donde se venden sellos y otros materiales filatélicos.

Enlaces de interés

- “Jubilee Weekend - Philatelic Museum” (en SG50, 08.1015. Con motivo de los 50 años de su inauguración. Con fotografías y actividades. En inglés).
- “SG50 Stamp exhibition at the Singapore Philatelic Museum” (en Coconuts Singapore, 21.07.2015. En inglés).
- “Singapore Philatelic Museum” (sitio oficial. En inglés).
- “Singapore Philatelic Museum” (en National Heritage Board. En inglés).
- “Singapore Philatelic Museum” (en Singapore VR. Con información y visita virtual. En inglés).
- “Singapore Philatelic Museum” (en SingArt. En inglés).
- “Singapore Philatelic Museum Review” (en Parenting United. Con numerosas fotografías. En inglés).
- “Singapore Philatelic Museum review” (en The Wacky Duo, 14.06.2013. Con numerosas fotografías. 

En inglés).
- “The Singapore Philatelic Museum” (en Explore. Con fotografías. En inglés).
- J. Lowis: “Singapore Philatelic Museum Postmarks” (en John Lowis blog. En inglés).
- N. A. Rahim: “Singapore Philatelic Museum launches exhibition to celebrate SG50” (en Channel NewAsia, 20.07.2015. Con un video. En inglés).

49. - Ferenc (Franz) LEHÁR

 (Komárom [actualmente Komárno, en Eslovaquia], Imperio austrohúngaro, 30 de abril de 1870 – Bad Ischl, Austria, 24 de octubre de 1948)

Sello emitido por el servicio postal de Hungría en 1970 

para conmemorar el centenario del nacimiento de Lehár. 

(Valor facial: 2 forintos)

Hijo de un modesto compositor de música popular y director de la banda musical de un regimiento del ejército austrohúngaro, Ferenc (más conocido por su nombre en alemán, Franz) Lehár fue un célebre compositor de operetas húngaro que residió casi toda su vida en Austria.

Fue a estudiar violín al conservatorio de Praga, donde Antonín Dvořák descubrió en él otras dotes musicales y le aconsejó que aprendiera composición. En 1899, al terminar sus estudios, regresó a Viena, donde residía su familia, y colaboró con su padre hasta que en 1902 fue nombrado director 

de la orquesta del histórico Theater an der Wien, donde estrenó su segunda opereta, Wiener Frauen ('Mujeres vienesas'), que había compuesto aquel mismo año (en 1896 ya había estrenado otra, que pasó casi inadvertida, en el Teatro Municipal de Leipzig: Kukuschka).

Así empezó su exitosa carrera musical, decantándose por la opereta, género muy en boga en aquella época. Compuso más de una veintena, entre las que destacan Die lustige Witwe (‘La viuda alegre’, 1905), Der Graf von Luxemburg (‘El conde de Luxemburgo, 1909), Zigeunerliebe (‘Amor gitano’, 1910), Frasquita (1922), Das Land des Lächelns (‘El país de las sonrisas’, 1923, de la que compuso una segunda versión en 1929), Der Zarewitsch (‘El zarévich’, 1927), Friederike (1928) y Giuditta (1934, retransmitida en directo desde el Teatro de la Ópera de Viena por 120 emisoras de radio).

En 1922 se asoció con el célebre tenor austriaco Richard Tauber, para cuya voz escribió seis operetas, quien se convertiría en el principal intérprete de sus composiciones.

En 1935 fundó su propia empresa discográfica, Glocken-Verlag, para controlar mejor los derechos 

de autor de sus obras.

Las relaciones de Lehár con el Tercer Reich fueron tensas, ya que la mayoría de los libretistas que colaboraban con él eran judíos, y lo era también su esposa, Sophie Paschkis, aunque ésta se había convertido al catolicismo antes del matrimonio. Tuvo la suerte, sin embargo, de que a Hitler le gustaban sus operetas, por lo que ordenó que cesaran las hostilidades contra el compositor en todo 

el Reich; llegaron tan lejos las atenciones que le dispensó el régimen nazi que en 1938 su esposa recibió el estatuto de Ehrenarierin (‘aria de honor por matrimonio’).

En contrapartida, y muy a pesar del músico, el régimen nazi utilizó sus composiciones como medio de propaganda, e hizo que sus operetas se representaran en París en 1941, durante la ocupación de Francia. Sin embargo, sus esfuerzos e incluso su intento de entrevistarse con Hitler para evitarlo resultaron totalmente inútiles: sus libretistas fueron perseguidos y uno de ellos, Fritz Löhner-Beda, fue deportado a Auschwitz y asesinado junto a su esposa. 

Aunque residió casi toda su vida en Austria, Lehár jamás abandonó su lengua natal, el húngaro, en 

la que se comunicaba con amigos y conocidos y utilizaba, cuando convenía, en su correspondencia.

Enlaces de interés

- “Alfie Boe. Franz Lehár: Love was a Dream” (en Linn Records. Con una biografía de Lehár por Patrick O'Connor. En inglés).
- “Franz Lehár” (en Discogs. Discografía. En inglés).
- “Franz Lehár” (en EcuRed. Biografía. En español).
- “Franz Lehár” (en last.fm. Con reproducción gratuita de varias de sus obras. En español).
- “Franz Lehár (1870-1948)” (en Music Academy Online. Biografía y bibliografía. En inglés).
- “Franz Lehár (1870-1948)” (en Classical Archives. Con enlaces a audiciones de casi todas sus obras. 

En inglés).
- “Franz Lehár (1870-1948)” (en IMDb. Con la filmografía basada en sus obras. En inglés).
- “Franz Lehár. Imágenes” (en Picsearch. Fotografías relacionadas con Lehár. En español).
- “Lehár, Franz” (en IMSLP. Con enlaces a información de todas sus composiciones. En inglés).
- “Lehár, Franz Christian (1870-1948)” (en La web de las biografías. Biografía, discografía y enlaces. 

En español).
- J. Kenrick: “The Merry Widow: History of a Hit” (en Musicals101.com. En inglés).

- B. Matamoro: “Cuando Lehár encontró a Tauber” (en El arte de la fuga, 24.05.2015. En español). 

48. - Mikuláš GALANDA

(Turčianske Teplice, Eslovaquia, Imperio austrohúngaro, 4 de mayo de 1895 – Bratislava, Checoslovaquia, 1 de junio de 1938)

Sello emitido por el correo eslovaco el 30 de noviembre de 1995, 

con ocasión del centenario de Mikuláš Galanda, en el que 

se reproduce su pintura Zve ženy (‘Dos mujeres’). 

(Valor facial: 16 coronas eslovacas)

Pintor, ilustrador y artista gráfico, Mikuláš Galanda fue uno de los principales introductores del arte moderno en Checoslovaquia.

Formado en la Academia de Bellas Artes de Budapest (1914-1916) y en la Escuela de Artes Aplicadas (1922) y la Academia de Bellas Artes de Praga (1923-1927), se familiarizó con las nuevas tendencias artísticas europeas, principalmente el expresionismo y el cubismo, y las divulgó en Checoslovaquia. En el año 1929 se estableció en Bratislava, donde ejerció como profesor de dibujo en una escuela secundaria, y a partir de 1933 impartió clases de dibujo y pintura en la Escuela de Artes y Oficios de la capital eslovaca.

Entabló amistad con otro notable artista eslovaco, Ľudovít Fulla, con quien, además de compartir taller, redactó el manifiesto Súkromné listy Fullu a Galandu (‘Cartas privadas de Fulla y Galanda’), en el que expresaban sus opiniones progresistas sobre las bellas artes y su función en la sociedad del siglo XX.

Su obra pictórica y gráfica se centró sobre todo en temas domésticos y locales de su Eslovaquia natal, así como en las figuras femeninas, que trató de manera lírica y a la vez melancólica. Participó en la Bienal de Venecia de 1936 y expuso su obra en numerosas localidades de Checoslovaquia, y también en Cracovia (1930), Moscú (1937), Nueva York (1938), y en la Exposición Universal de París de 1937, donde ganó la medalla de plata en la modalidad de ilustración y obra gráfica.

Los ex libris diseñados por él se hicieron enormemente populares entre los bibliófilos checoslovacos, de los que recibió muchos encargos. Hoy son preciadas piezas de coleccionismo que aparecen con frecuencia en subastas internacionales.

En 1991 se presentó en su casa natal de Turčianske Teplice una gran exposición antológica de su obra, y se instaló en ella un museo permanente en su memoria. Previamente, en 1978, sus restos mortales fueron trasladados al Cementerio Nacional de Martin.

Enlaces de interés

- “200 Korún Mikulas Galanda” (en Numista. sobre la moneda de plata conmemorativa, de 200 coronas, emitida por la República Eslovaca en 1995. En inglés).
- “Mikulas Galanda (Czech [sic], 1895–1938)” (en Artnet. En inglés).
- “Mikuláš Galanda Gallery” (En inglés).
- “Mikulas Galanda Paintings” (en NiceArtGallery.com. Reproducciones de numerosas obras suyas. En inglés).
- “SlovakNationalGallery/galanda-data” (reproducciones de numerosas obras suyas. En inglés).
- “tag / mikulášgalanda” (en Flickriver. Reproducciones de obras suyas. En inglés).
- J. C. Boveri: “Mikulas Galanda” (en Pintores y pinturas, 4.2015. Con reproducciones de pinturas suyas. En español).
- R. Hromátka: - “Galanda Moderna” (en MyFonts, 11.5.2012. Sobre una tipografía inspirada en Galanda. En inglés).

47. - Camilla COLLETT

(Kristiansand, Noruega, 23 de enero de 1813 – Cristiania [la actual Oslo], 6 de marzo de 1895)

Serie de dos sellos emitidos por el correo noruego en 1963 

con motivo del 150 aniversario del nacimiento de Camilla Collett. 

(Valores faciales: 50 y 90 øre)

 Serie de dos sellos emitidos por el correo noruego 

el 9 de septiembre de 2013 para conmemorar el segundo centenario 

del nacimiento de Camilla Collett. 

(Valores faciales: 17 y 30 coronas noruegas)

Hija del escritor, político y pastor protestante Nicolai Wergeland, Jacobine Camilla Wergeland, que adoptaría el apellido de su esposo (el político Peter Jonas Collett, con quien se casó en 1841), creció rodeada de libros en el ámbito de una familia ilustrada.

Recluida en la pequeña ciudad provinciana de Eidsvoll, de la que su padre había sido nombrado párroco,  y en un internado femenino de Dinamarca, al que la enviaron para su educación (allí aprendió alemán y se familiarizó con la literatura europea), se inició muy pronto en la escritura 

de largas cartas (es destacable su literatura epistolar) y de un diario, que luego le proporcionaría muchos datos para trabajos posteriores.

Animada por el poeta y filósofo Johan Sebastian Welhaven, a quien conoció en un viaje a Cristiania (la actual Oslo), que descubrió su talento y con quien vivió una azarosa aventura romántica que acabó bruscamente a causa de sus respectivas posiciones políticas, radicalmente opuestas, dio rienda suelta a sus ideas sociales, que quedaron plasmadas en la única novela que escribió, Amtmandens Døttre (‘La hija del gobernador’), que se publicó anónimamente en dos partes, en 1854 y 1855.

La importancia de esta obra, trascendental en la literatura noruega, se debe al hecho de haber transgredido con ella los tabúes vigentes en su país, poniendo de manifiesto las dificultades de ser mujer en una sociedad machista que obligaba a las muchachas a casarse con el hombre que hubieran elegido sus padres; se trata, pues, de una obra de temática social y fue, a la vez, la primera novela política que se publicaba en Noruega.

Su batalla por los derechos de las mujeres, que se inspiraba en la de otras escritoras, como George Sand y Rahel Varnhagen, la convirtió en centro de agrias polémicas. A pesar de ello, perseveró en su lucha feminista personal, manifestada en una larga serie de furibundos artículos publicados en la prensa entre 1868 y 1885, y recogidos posteriormente en varios volúmenes.

Sin embargo, tras la muerte de su esposo, en 1851, tuvo serias dificultades económicas para mantener a sus cuatro hijos de corta edad, a tres de los cuales tuvo que enviar a vivir con familiares. Vendió incluso su casa, y los escasos recursos que obtenía de sus trabajos periodísticos jamás le permitieron salir de la precariedad. Los artículos recopilados en los dos volúmenes de Mod Strømmen (‘Contra corriente’, 1879 y 1885) acabaron de dejarla al margen de una sociedad conservadora y muy puritana. Tampoco fueron ajenos a esa marginación sus ataques a Henrik Ibsen, a quien acusó de haber robado sus ideas literarias (en cualquier caso, se ha reconocido la influencia de Camilla Collett en Ibsen).

De su única novela se publicaron ediciones revisadas en 1860 y 1879. Entre sus obras, además de 

un diario, I de lange Nætter (‘En las largas noches’, 1861), dio a la imprenta una selección de textos literarios breves, Fortællinger (‘Relatos’, 1861). Sus obras completas, Samlede voerker, se editaron póstumamente en Cristiania entre 1912 y 1913.

Enlaces de interés

- “Camilla Collett, Norwegian author, 1813-1895” (en Women Writers, 2011. En inglés).
- “Camille Collett, precursora del feminismo noruego” (en Fábrica de la Memoria, 19.06.2013. Con ilustraciones. En español).
- “Collett, Camilla” (en Encyclopedia of World Biography, 2006. En inglés).
- “Collet, Jacobine Camilla” (en The History of Nordic Women’s Literature, 2012. En inglés).
- “Creator: Collett, Camilla” (Nasjonalbiblioteket, Oslo. Sus obras digitalizadas. En noruego).
- I. Engelstad & J. Øverland: “La literatura femenina noruega” (en Historia de la literatura femenina noruega, Oslo / www.noruega.org.ar. En español).
- P. Houe: “Collett Camilla (1813-1895)” (en Encyclopædia Universalis. En francés).
- E. Rees: “The Place of the Nation in Camilla Collett's Amtmandens Døttre” (en Scandinavian Studies, 01/2013; 85(4), pp. 431-454 / www.researchgate.net. En inglés).
- T. Steinfeld: “Story of the female heart” (en The History of Nordic Women’s Literature. En inglés).
- V. Stolfi: “Camilla Collett” (en Enciclopedia delle donne. En italiano).

46. - Victor HORTA

(Gante, Bélgica, 6 de enero de 1861 – Bruselas, 8 de septiembre de 1947)

Sello emitido por el correo belga en 1962 para conmemorar 

(con retraso) el centenario del nacimiento de Victor Horta, 

con la fachada de su casa-estudio, actual Museo Horta, en Bruselas. 

(Valor facial: 3 francos belgas)

El arquitecto belga Victor Horta es la figura pionera del Art Nouveau en Bélgica.

Fue un niño rebelde, expulsado varias veces de las escuelas donde estudiaba. Sus continuos fracasos escolares hicieron que a los doce años empezara a trabajar como ayudante de albañil, lo cual lo familiarizó con las técnicas de construcción. Ello, añadido al hecho de que sus padres –conscientes 

de su inutilidad para los estudios– lo enviaran a París para trabajar con un decorador interiorista, marcó sin duda su futuro.

En la capital francesa entró en contacto con los movimientos artísticos del momento y descubrió un mundo de posibilidades para sus inquietudes. Se interesó por la arquitectura clásica, por los nuevos materiales de construcción (sobre todo el acero y el vidrio) y dedicó muchas horas a estudiar y dibujar los edificios más sobresalientes de los bulevares. Así fue como nació su auténtica pasión por la arquitectura.

A la muerte de su padre (1880) regresó a Bélgica y se inscribió en la Academia Real de Bellas Artes 

de Bruselas, de la que sería un alumno brillante. Uno de sus profesores, Alphonse Balat, hombre perfeccionista hasta los últimos detalles que, además, era arquitecto del rey, se fijó en su talento y 

lo eligió como ayudante. Cuando Balat murió (1895) tomó las riendas de su estudio, desde el que se lanzó a diseñar nuevos edificios.

Con Balat construyó los Invernaderos Reales de Laeken, que le permitieron descubrir las inmensas posibilidades del acero y las vidrieras y, a través de ellas, los juegos de luz. Ya por su propia cuenta empezaría a proyectar algunos edificios residenciales, pero incluso antes fue muy hábil estrechando relaciones con la alta burguesía de Bruselas, que le abriría el camino hacia metas más ambiciosas. 

El primer edificio notable que concibió fue la Maison Autrique (1893), donde ya aplicó algunos elementos del Art Nouveau; al mismo tiempo trabajó en el famoso Hôtel Tassel, que se considera 

la primera muestra de este nuevo estilo en Bélgica y fue declarado, el año 2000, Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

A estos edificios hay que añadir, entre otros, el de la imponente Casa del Pueblo (1986-1899, sede 

del Partido Socialista Belga) y la Casa Solvay (1900-1905).

Sus obras empezaron a ser divulgadas por revistas especializadas de Europa y América. Tuvo la competencia, sin embargo, de otros dos grandes arquitectos belgas adscritos al Art Nouveau: su compañero de estudios y amigo Paul Hankar y Henry van de Velde.

Entre 1920 y 1927 Horta dirigió la sección de arquitectura del Instituto Superior de Bellas Artes de Amberes, y luego la Academia de Bellas Artes de Bruselas. En 1932 el rey Alberto I le confirió el título de barón.

Muchos de los edificios que concibió han sido derribados, pero la casa que diseñó para sí mismo como vivienda particular y estudio (1898-1901, que también forma parte del Patrimonio de la Humanidad desde el año 2000) se conserva y alberga actualmente el Museo Horta.

Enlaces de interés

-  “Architect Victor Horta” (en Great Buildings. Lista de sus obras y biografía. En inglés).
- “Art Nouveau: Casa Tassel de Victor Horta” (en El Rincón del Vago. En español).
- “Biographie” (en Horta Museum. Cronología biográfica de V. Horta. En francés).
- “Casa Tessel” (WikiArquitectura. En español).
- “Horta, Víctor (1861-1947)” (en La web de las biografías. En español).
- “Horta Museum” (en inglés, francés, neerlandés y japonés).
- “Obras de Victor Horta” (en UrbiPedia. Con un listado y fotografías. En español).
- “Victor Horta” (en Première, 2012. En francés).
- J. Diego Caballero: “Victor Horta, un nuevo lenguaje arquitectónico” (en Enseñ-arte, 30.04.2008.

En español).
- G. Duplat: “Horta triomphe sans plus de discussion” (en La Libre Belgique, 06.01,2011. En francés).
- G. Duplat: “Sans la Loge, il n’y aurait pas eu Horta” (en La Libre Belgique, 09.05.2012. En francés).
- M. Kahn: “’La Casa de Hierro’ (Victor Horta)” (TVE / You Tube. Vídeo, en español).
- C. Zeballos: “Víctor Horta: Casa-estudio en Bruselas” (en Mi Moleskine Arquitectónico, 02.05.2012. 

En español).