Los sellos (o estampillas, como suelen denominarse en la América latina) han sido siempre, desde que el Ministerio del Tesoro de Gran Bretaña emitió la primera viñeta postal adhesiva (el famoso penny black con la silueta de la reina Victoria) el 6 de mayo de 1840, además de elementos de franqueo –es decir, tasas para el pago previo de los envíos postales­– pequeños soportes de propaganda que, poco a poco, se irían coleccionando. El coleccionismo de sellos postales se denomina filatelia (palabra formada por los términos griegos philosλος ‘amante’] y ateles [τλος ‘pago previo’] desde que el francés Georges Herpin empleó por primera vez este concepto en un artículo publicado el 15 de noviembre de 1864 en la revista parisina Le collectionneur de Timbres Poste.

Aunque al principio en los sellos postales se utilizaron sobre todo efigies de emperadores, reyes y gobernantes, o bien símbolos nacionales, las imágenes representadas en esas viñetas fueron evolucionando y pronto dieron paso a conmemoraciones de acontecimientos históricos, y también a temas culturales de todo tipo: retratos de artistas, escritores, músicos…, reproducciones de obras de arte, monumentos y edificios significativos, etc.

Este blog pretende recoger sellos relacionados con el ámbito cultural en un sentido amplio pero al mismo tiempo exclusivo, en el sentido de que se centrará básicamente en la cultura humanística (recogerá, pues, sólo excepcionalmente la cultura científica y el deporte, por ejemplo), ofreciendo al mismo tiempo datos concisos sobre lo que se representa en las viñetas postales y enlaces útiles para quienes deseen ampliar esa información.

Cualquier aclaración, corrección o comentario útil para enriquecer y perfeccionar este espacio virtual se agradecerá y será bienvenido.

30 de septiembre de 2017

99. – Charles GOUNOD

(París, 17 de junio de 1818 – Saint Cloud, Isla de Francia, 18 de octubre de 1893)

Sello dedicado a Gounod, emitido por el correo francés el 27 de marzo de 1944. 
(Valor facial: 1,50 + 3,50 francos)

Sello emitido por el correo de Albania en 1993, con motivo 
dcl centenario de la muerte de Gounod. 
(Valor facial: 11 lëke)

Sello dedicado a Gounod y su Faust, emitido 
por el servicio postal de San Marino en 1999,  
(Valor facial: 800 liras / 0,41 euros)

Hijo del pintor François-Louis Gounod, fue su madre, Victoire Lemachois, quien le introdujo en el mundo de la música enseñándole a tocar el piano. Todavía muy joven, estudio armonía con Anton Reicha y más tarde se inscribió en el Conservatorio de París, donde tuvo como maestros a Fromental Halévy y Jean-François Lesueur.

En 1939 compuso la cantata Fernand, con la que obtuvo el Gran Premio de Roma. Aprovechó su estancia en la capital pontificia para estudiar música religiosa, y allí compuso su Requiem (1842) y 
se inspiró para su Messe à 3 voix (1853), el oratorio Tobie (1854) y la Messe solennelle en l'honneur de sainte Cécile (1855).

Al regresar a París, en 1843, fue nombrado organista y músico de capilla de la iglesia de las Misiones Extranjeras, y en 1847 el arzobispo de la capital francesa le autorizó a utilizar el hábito eclesiástico. Se inscribió en un curso de teología, pero tras la insurrección de febrero de 1848 renunció a todo cargo eclesiástico. Al año siguiente escribió su primera ópera, Sapho, que fue estrenada sin mucho éxito en la Ópera de París en abril de 1851.

Entre 1853 y 1860 presidió los Orphéons de París, para los que escribió numerosos coros. Mientras tanto continuó componiendo música religiosa. Después de la tragedia Ulysse (1852) y la ópera La Nonne sanglante (1854), en 1858 dio a conocer la ópera cómica Le Médecin malgré lui, basada en la obra de Molière y escrita en colaboración con el libretista Michel Carré, y al año siguiente obtuvo su primer gran éxito con otra ópera, Faust, de la que se hicieron setenta representaciones en el Théâtre-Lyrique.

Siguieron a esa obra dos óperas cómicas, Philémon et Baucis y La Colombe, ambas de 1860, y en 1862 La Reine de Saba, con escasísimo éxito, que mereció una severa crítica en la Revue des deux mondes, que acusaba al compositor de imitar “a los malos compositores alemanes, como Wagner, Schumann y Mendelssohn”. Gounod desmintió esa feroz crítica en 1867 con el gran éxito de Roméo et Juliette, una de sus composiciones más notables.

En 1870, al estallar la guerra franco-prusiana, se refugió en Londres, donde conoció a la cantante Georgina Weldon, con la que mantuvo una relación de cuatro años. Allí compuso el drama musical Les Deux Reines de France (1872) y la pieza escénica Jeanne d’Arc (1873). Regresó a Francia en 1874, y dos años más tarde dio a conocer en la iglesia parisina de Saint-Eustache la Messe du Sacré Cœur de Jésus. Posteriormente escribió los oratorios La Rédemption (1882) y Mors et Vita (1885).

Además de las citadas, hay que destacar entre sus obras las óperas Mireille (1864, basada en el poema en occitano Mireio, de Frederic Mistral), Polyeucte (1878) y Le Tribut de Zamora (1881), la ópera cómica Cinq-Mars (1877), la Petite Symphonie para instrumentos de viento (1885) y su última composición, la pieza escénica Les Drames sacrés (1893).

Hay quien opina que la obra de Gounod ha resistido mal el paso del tiempo. Lucien Rebatet, un polémico periodista y escritor conocido por su antisemitismo y su colaboracionismo con los nazis durante la segunda guerra mundial, escribió que “después de transcurrido casi un siglo, el bagaje póstumo de Gounod es ínfimo. Nos hallamos lejos del ‘trono de oro sobre el cual recibirá las loas 
de las generaciones futuras’ que le profetizaba Saint-Saëns”; sus óperas, sin embargo, se continúan representando con frecuencia en los más importantes teatros líricos del mundo.


Enlaces de interés

- “Biografía. Charles Gounod” (en slideshare.net. En español, inglés, francés, portugués y alemán).
- “Charles-François Gounod (1818-1893)” (en Naxos. Con discografía. En inglés).
- “Charles Gounod” (en Discogs. Discografía completa, En inglés).
- “Charles Gounod” (en France Musique. En francés).
- “Charles Gounod” (en hagaselamusica.com. En español).
- “Charles Gounod (1818-1893)” (en Classical Archives. Lista completa de su obra. En inglés).
- “Charles Gounod (Francia, 1818-1893)” (en epdip.com. Con audiciones. En español).
- “Charles Gounod Biography” (en The Famous People. En inglés con traducción a otros idiomas).
- “Gounod Charles François, 1818-1893” (en Musicologie, 10.12.2014. En francés).
- “La musique religieuse de Charles Gounod” (en Musica et Memoria. En francés).
- R. Cummings: “Charles Gounod” (en AllMusic. Muy completo. En inglés).
- F. Davin: “Charles Gounod: His life, his works…” (muy completo. En inglés y francés).
- F. Goldbeck: “Charles Gounod: French composer” (en Enciclopædia Britannica. En inglés).

Bibliografía

- Y. Bruley : Charles Gounod. Bleu nuit éditeur, París, 2015.
- H. Busser: Charles Gounod. Éditions et imprimeries du sud-est, Lyon, 1961.
-
G. Condé: Charles Gounod. Fayard, París, 2009.
- N. Demuth: Introduction to the Musec of Gounod. Dennis Dobson, Londres, 1950. (Accesible en línea.)

- T. Flynn: Charles François Gounod: A Research and Information Guide.
Rouledge, Nueva York y Londres, 2009.
- J. Harding
: Gounod. Allen & Unwin, Nueva York, 1973.
- S. Huebner: Les opéras de Charles Gounod. Actes Sud, Arles-París, 1990.
- P. Landomy: Gounod. Gallimard, París, 1942.

8 de septiembre de 2017

98. – MUSEO DE ANTROPOLOGÍA DE LA UNIVERSIDAD DE COLUMBIA BRITÁNICA - MOA, Vancouver (Canadá)

Sello dedicado al Museo de Antropología de Vancouver, emitido
por la Administración 
Postal de Canadá el 9 de marzo de 1999. 
(Valor facial: 46 centavos de dólar)

Fundado en 1947 e inaugurado oficialmente en 1949 para “investigar, preservar y exhibir objetos 
y expresiones de la creatividad humana y promover la comprensión y el respeto de las culturas 
del mundo”, según el documento que impulsó su creación, este museo se instaló inicialmente en los sótanos de la Universidad de Columbia Británica, en la ciudad canadiense de Vancouver.

Las colecciones del museo, compuestas por cerca de 540.000 piezas, se encuentran actualmente 
en un nuevo edificio inaugurado en 1976, diseñado por el arquitecto y planificador urbano Arthur Erikson, que se inspiró en las construcciones de entramado de madera de los antiguos pobladores 
de la costa noroccidental del Canadá, pero utilizando hormigón en su estructura. El edificio acogió también el valioso legado de Walter Koerner, consistente en numerosas piezas de arte cerámico europeo, que constituyen una exposición permanente (la Galería de Cerámica Koerner).

El museo exhibe el cincuenta por ciento de sus colecciones, algo excepcional, puesto que los museos suelen mostrar apenas un cinco o un diez por ciento de los objetos que poseen. Además de hallazgos arqueológicos de culturas indígenas de todo el mundo, presenta una amplia colección de obras del escultor Bill Reid, de ascendencia materna haida; la más destacada de estas esculturas de madera es El gran cuervo y los primeros hombres, representada a la izquierda del sello. Otros objetos valiosos del museo son una figura de cerámica procedente de México, datada alrededor del año 100 antes de nuestra era, y una escultura tamil de bronce de mediados del siglo XV, que representa a una diosa.

Además del museo propiamente dicho, se hallan vinculados a él la Red de Investigación Recíproca (RRN), en la que están representadas varias instituciones indígenas; el Centro de Investigaciones Culturales, con salas de investigación, una biblioteca y un depósito de colecciones de vanguardia, y
las llamadas “galerías de multidiversidad”. En el Gran Salón del edificio hay numerosos fragmentos de tótems haida y de otros pueblos originarios de la región.

Son de especial importancia las colecciones asiáticas (que representan el 40 % del fondo etnológico
y artístico del MOA), africanas (más de 2800 objetos, que incluyen piezas de arte mortuorio del antiguo Egipto) y de las islas del sur del Pacífico.

Por otra parte, la biblioteca y los archivos de Audrey & Harry Hawthorn, de finales del siglo XIX, accesibles al público y a los investigadores, atesoran unas noventa mil fotografías clasificadas por culturas, temas etnográficos y acontecimientos históricos.

En enero de 2010 el museo se amplió con una nueva ala de investigación, dotada de laboratorios, estudios de grabación y aplicaciones de las nuevas tecnologías, y en ella se instaló la Galería Audain, que acoge exposiciones temporales.


Enlaces de interés

- MOA (página oficial. En inglés).
-
MOA (blog. En inglés).
- MOA. The Collections (en inglés).
- “Museum of Anthropology” (en The Canadian Encyclopedia. En inglés y francés).
- “Museum of Anthropology” (en YouTube. Vídeos).
- “Special Aga Khan Museum collection on display at Vancouver's Museum of Anthropology” (en Daily Hive, Vancouver, 11.5.2017. En inglés).
- C. Chiang: “UBC Museum of Anthropology takes on an Asian focus” (en Vancouver Sun, 10.0.2015. En inglés).
- C. Gualtieri: “Il museo di antropologia come museo culturale: il caso del MOA di Vancouver” (en Altre Modernità, Milán, Vol. 5, N. 3, 2011. En italiano).
- D. Lynch: “Inside Vancouver’s UBC Museum of Anthropology (MOA)” (en TripSavvy, 17.5.2016. En inglés).
- A. Shelton: “Questioning locality: the UBC Museum of Anthropology and its hinterlands” (en Etnográfica, Lisboa, vol, 11, 2, 2007. En inglés).
- J. Werb: “Arthur Erickson supporters make plea for reflecting pool at Museum of Anthropology” (en Georgia Straight, Vancouver, 27.5.2009. En inglés).

Bibliografía

- K. Duffek: Bill Reid: Beyond the Essential Form. Vancouver, The University of British Columbia Press, 1986.
- C. E. Mayer y A. Shelton: The Museum of Anthropology at the University of British Columbia.
University
of Washington Press, Seattle, 2009.

5 de septiembre de 2017

97. – María FÉLIX

(Quiriego, Sonora, México, 8 de abril de 1914 – Ciudad de México, 8 de abril de 2002)


Sello dedicado a María Félix, emitido por el servicio postal de México
el 9 de diciembre de 1993. (Valor facial: 1,30 N$)

Sello emitido por el correo de Cuba en 2013 con la imagen de María Félix. 
(Valor facial: 85 centavos de peso)

María de los Ángeles Félix Güereña, que adoptó el nombre artístico de María Félix, fue uno de 
los grandes mitos del cine latinoamericano y la actriz más destacada de la denominada Época de Oro del cine mexicano, en la que también sobresalieron Dolores del RíoJorge Negrete, Pedro ArmendárizArturo de CórdovaPedro Infantelos geniales cómicos Mario Moreno “Cantinflas” y Germán Valdés y los realizadores Ismael Rodríguez, Emilio Fernández y Miguel Melitón Delgado, entre otras figuras.

Durante su adolescencia, su numerosa familia (tuvo once hermanos) se trasladó a Guadalajara, donde ella empezó a llamar la atención por su belleza (fue proclamada reina de la belleza estudiantil en la Universidad). Cuando se divorció de su primer marido, en 1938, tuvo que abandonar aquella ciudad (una mujer divorciada era mal vista socialmente en su época), se estableció en la Ciudad de México y allí el realizador Fernando Palacios la introdujo en el mundo del cine.

Tras un breve paso por Hollywood, donde rechazó algunas ofertas para actuar en varias películas, 
en su país el realizador Miguel Zacarías le ofreció el papel de protagonista femenina en su primer filme, El Peñón de las Ánimas (1943), cuyo protagonista masculino era Jorge Negrete. El mismo año protagonizó Doña Bárbara, de Fernando de Fuentes (filmado en Venezuela y basado en la novela del mismo título de Rómulo Gallegos, quien la aplaudió con entusiasmo), cuyo éxito hizo que a María Félix se la conociera popularmente, a partir de entonces, como “La Doña”. Esta película supuso su lanzamiento definitivo, y en los años siguientes se la disputaron varios realizadores para ofrecerle 
los principales papeles femeninos en numerosas películas.

En 1946 Emilio Fernández le propuso interpretar tres películas que se distribuyeron por numerosos países y dieron a la actriz prestigio internacional: Enamorada, Río escondido y Maclovia.

En 1948, después de haber protagonizado otros filmes mexicanos, como La diosa arrodillada
Doña Diabla, viajó a España y luego a Italia, países en los que rodó algunas películas. En 1953, en 
la Argentina, bordó su papel en el filme de Luis César Amadori La pasión desnuda. Aquel mismo 
año regresó a México y se casó con Jorge Negrete, con quien filmó El rapto, de Emilio Fernández. Negrete murió a los pocos meses y ella decidió volver a Europa, concretamente a Francia, donde protagonizó, entre otras, su película más importante: French Cancan, de Jean Renoir (1954).

Convertida en un mito tras su regreso definitivo a México, en 1955, intervino en varios filmes, entre ellos Los ambiciosos, dirigido por Luis Buñuel (1959), y en la década de 1960 redujo su actividad cinematográfica, para centrarse luego en el rodaje de telenovelas.

Su vida íntima fue muy azarosa. Se casó cuatro veces: con el vendedor de cosméticos Enrique Álvarez Alatorre (1931-1943), padre de su único hijo; el compositor Agustín Lara (1945-1947); el actor Jorge Negrete (1953), como se ha dicho, y el banquero francés Alexander Berger (1956-1974).

A su muerte, su féretro se instaló en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, y ante él desfilaron y le rindieron homenaje admiradores suyos durante veintidós horas.


Enlaces de interés

- Página oficial de María Félix (con aspectos de su vida pública y privada y su filmografía. En español).
- “María Félix” (en Biografías y Vidas. En español).
- “María Felix: La bella actriz que despreció a Hollywood y a sus indias cheyennes” (en La Vanguardia, México, 7.4.2017. Interesante. En español).
- E. Bautista: “Amor impropio: el incesto, la gran carga de María Félix” (en El Financiero, México, 20.7.2014. En español).
- V. de Miguel: “María Félix y Jorge Negrete: del odio al amor” (en About Español, 29.7.2017. En español).
- S. Dillon: “María Félix, 87, Feisty Heroine Who Reigned Supreme in Mexican Cinema, Dies” (en The New York Times, 9.4.2002. En inglés).
- C. Espinoza: “Detalles desconocidos de la vida de María Félix” (en Soy Carmín, México, 8.4.2017. En español).
- M. Flores: “María Félix: 10 películas que debes ver de ‘La Doña’” (en De10.mx, 7.4.2017. En español).
- A. M. González Rafols: “María Félix cuenta ‘toda su verdad’” (en El País, Madrid, 8.8.1994. En español).
- E. Krauze: “María Félix (1914-2002)”, en Letras Libres, México, 31.5.2002. En español).
- E. Miras: “María Félix: la mujer que hizo un lujo de sí misma” (en ABC, Madrid, 17.4.2017. En español).
- A. Nájar: “La extraña relación de María Félix con los mexicanos” (en BBC Mundo, 10.9.2014. En español).
- P. A. Salazar Rodríguez: “Filmografía básica de María Félix” (en Chilango, México, 8.4.2014. En español).
- C. Saracho: “Los grandes amores de María Félix” (en Excelsior, México, 8.4.2013. En español).
- Sh. Whitaker: “Maria Felix” (en The Guardian, London, 10.4.2002. En inglés).

Bibliografía

- Clásicos del cine mexicano: 31 películas emblemáticas desde la Época de Oro hasta el presente. Iberoamericana Editorial Vervuert, Madrid, 2016.
- F. Alatorre Betancourt: Diabla frente al espejo. Organización Editorial Mexicana, México, 2014.
- S. Almazán: Acuérdate, María. Ed. Planeta, México, 2014. (Novela basada en el personaje.)
- C. Barajas Sandoval: Una mujer llamada María Félix. Ed. Edamex, México, 1993.
- E. Krauze: María Félix: Todas mis guerras. Ed. Clío, México y Ed. Plaza & Janés, Barcelona, 2002.
- P. Philippe: Maria Felix. Ed. Assouline, Nueva York, 2006.
- J. Samper: María Félix: María bonita, María del alma. Ed. Panamericana, San Juan, Puerto Rico, 2005.
- P. I. Taibo I: María Félix: 47 pasos por el cine. Ed. Bruguera, Barcelona, 2008.
- P. I. Taibo I: La Doña. Ed. Planeta, México, 1991.

16 de agosto de 2017

96. – Devorah BARON

(Uzda, Bielorrusia, Imperio ruso, 4 de diciembre de 1887 – Tel Aviv, Israel, 20 de agosto de 1956)


Sello dedicado a Devorah Baron, emitido 
por el correo de Israel el 17 de abril de 1996. 
(Valor facial: 40 nuevos shekel)

La escritora judía Devorah Baron (דבורה בארון‏‎) estuvo entre los pioneros de la literatura escrita en hebreo moderno, por lo que se la reconoce como la primera mujer escritora en esta lengua.

Era hija de un rabino de talante liberal, Shabetai Eliezer Baron, que le permitió, excepcionalmente 
y desafiando todas las convenciones, asistir a las clases de hebreo, reservadas a los muchachos. En 1903 pudo acceder, con su hermano Benjamin –al que siempre estuvo muy unida– a los estudios secundarios en escuelas rusas de Minsk y Kovno (Kaunas, en la actual Lituania), algo inusual por entonces en el Imperio ruso. En 1907 se diplomó en enseñanza en un gimnasio para muchachas rusas de Marijampole (también en la actual Lituania) y a partir del año siguiente se dedicó durante un tiempo a la enseñanza como profesora particular.

A los siete años ya demostró su precocidad con una modesta obra de teatro en yiddish, y en 1902 publicó sus primeros relatos, escritos en lengua hebrea, en el diario HaMelits (המליץ), que se editaba en San Petersburgo.

En 1910, tras la muerte de su padre y cuando su localidad natal fue víctima de un pogromo, emigró a Palestina –que entonces formaba parte de la Siria otomana– con su hermana mayor y se estableció en Neveh-Tsedek, un asentamiento próximo a Jaffa y de la nueva ciudad de Tel Aviv, todavía en construcción. Allí empezó a trabajar en la redacción de una revista del movimiento sionista obrero Hapoel Hatzair (הפועל הצעיר) dirigida por el activista Yosef Aharonovitz, con quien se casó y tuvo una hija, Zipporah. En 1915 ambos fueron deportados, junto a otros intelectuales judíos, a la ciudad egipcia de Alejandría, pero pudieron regresar en 1919, tras la disolución del Imperio después de la primera guerra mundial. 

Publicó numerosos libros de cuentos y relatos (sus primeras composiciones aparecieron en revistas culturales judías rusas), en muchos de los cuales se refiere a la vida en los shtetls de Bielorrusia y Lituania, y una novela, Exilios. Además, tradujo al hebreo moderno Madame Bovary, de Gustave Flaubert, y otras obras literarias. Fue la primera en obtener el premio literario Bialik, en 1933. Más tarde su obra sería distinguida con otros galardones, como los premios Rupin (1944) y Brenner, de 
la Asociación de Escritores Hebreos en Israel (1951).

Mujer extravertida, activa y hasta atrevida en sus años juveniles, a partir de 1922 se recluyó en su casa, aislada de los demás, casi siempre en cama eludiendo cualquier relación social, mostrando una enfermiza misantropía y dedicándose únicamente a la creación literaria. Desde que murió su marido, en 1937, fue dependiente de su hija, quien medió entre ella y el mundo exterior. Esa actitud se ha interpretado como una rebelión personal contra la sociedad, reacia a aceptar la independencia de las mujeres, y como rechazo al clima cultural tanto durante el mandato británico en Palestina (1920-1948) como después de la proclamación del Estado de Israel.


Enlaces de interés

- “Baron, Devorah 1887-1956” (en World Cat’ Identities. Con enlaces a algunas de sus obras. En inglés).
- “Baron, Dvora 1887-1956” (en encyclopedia.com, 2009. En inglés).
- B. Ares: “Una judía en el taller literario de Gustave Flaubert” (en Granta en español, 4.9.2016. En español).
- E. Baram Eshel: “Outline of a Gender Conflict: Notes on an Early Story by Dvora Baron” (en Women in Judaism, Thornhill [Ontario, Canadá], Vol 8, No. 2, 2011. En inglés).
- N. Govrin: “Baron, Devorah” (en The Yivo Encyclopedia od Jews in Eastern Europe. En inglés).
- S. E. Jelen: “All Writers Are Jews, All Jews Are Men: Dvora Baron and the literature of ‘The Uproteed’” (en B. D. Cooperman [Ed.]: Jewish History and Culture. University Press of Maryland, Bethesda, 2007, Vol. XIV, pp. 189-200. En inglés).
- A. Lieblich: “Devorah Baron, 1887-1956” (en Jewish Women’s Archive, Encyclopedia. En inglés).
- N. Seidman: “Baron ‘in the Closet’: An Epistemology of the ‘Women's Section’” (en A Marriage Made in Heaven. The Sexual Politics of Hebrew and Yiddish. University of California Press, Berkeley, 1997. En inglés).
- H. Watzman: “The Hermit of Oliphant” (en Tablet, 21.8.2008. En inglés).

Bibliografía

- M. Bernstein: “Midrashj and marginality: The ‘Agunot’ of S. Y. Agnon and Devorah Baron”, en Hebrew Studies, No. 42 (2001), pp. 7-58.
- S. E. Jelen: Intimations of Difference: Dvora Baron in the Modern Hebrew Renaissance. Syracuse University Press, Syracuse, NY, 2007.
- S. E. Jelen & S. Pinsker (Ed.): Hebrew, Gender, and Modermity: Critical responses to Dvora Baron's fiction. University Press of Maryland, Bethesda, 2007. (Accesible a través de este enlace.)
- A. Lieblich: Conversations with Dvora: An Experimental Biography of the First Modern Hebrew Woman Writer. Traducción del hebreo por Naomi Seidman. Berkeley, California, 1997.
- S. Pinsker: “Unraveling the Yarn: Intertextuality, Gender and Cultural Critique in the Stories of Dvora Baron”, en Nashim: A Journal of Jewish Women's Studies and Gender, Nº 11, 2006, pp. 244-279.
- R. Shazar: “Baron, Devorah”, en Encyclopaedia Judaica. 2.ª ed. Vol. 3. Macmillan Reference, Detroit, 2007, p. 171.
- W. Zierler: “"In What World?": Devorah Baron's Fiction of Exile”, en Prooftexts, Indiana University Press, Vol. 19, No. 2, May 1999, pp. 127-150.

12 de agosto de 2017

95. – Juan Ramón MOLINA

(Comayagüela, Honduras, 17 de abril de 1875 – San Salvador, El Salvador, 17 de abril de 1908)

Sellos emitidos por el servicio postal de Honduras el año 2008
con motivo del centenario de la muerte de Juan Ramón Molina.
(Valores faciales: 10 y 25 lempiras)

Juan Ramón Molina fue el primer literato de Honduras conocido fuera de su país, y el introductor
del modernismo en la poesía hondureña. Procedía de una familia modesta (su padre era comerciante
de ganado). Hombre inquieto, independiente y de carácter fuerte, además de poeta y narrador fue periodista, diplomático, militar y político.

Después de terminar sus estudios de bachillerato en ciencias y letras en Guatemala, emprendió los 
de Derecho, pero los abandonó para dedicarse plenamente a la literatura. Sin embargo, de regreso a Honduras obtuvo el apoyo del presidente Policarpo Bonilla, por quien había tomado partido, el cual, entre otros cargos públicos, lo nombró vicerrector de la Escuela Militar con el rango de coronel. Más tarde, además, fue nombrado diputado del Congreso Nacional.

Fundó el diario El Cronista, en el que se trataban sobre todo temas culturales y sociales. Aprovechó aquella tribuna para lanzar críticas mordaces y punzantes, incluso despiadadas, contra algunos escritores hondureños de la época, por lo que se ganó fama de censor y hombre “de una soberbia rayana en lo pedante”.

Al mismo tiempo escribió numerosos poemas y textos narrativos. Su poesía se inspiraba en la de Rubén Darío, a quien conoció personalmente y admiraba (lo llamaban, un poco despectivamente, 
“El poeta gemelo de Rubén”). Ha quedado inscrito, por consiguiente, en la corriente modernista. 
Fue también un ferviente lector de la obra de Shakespeare, a cuyos personajes dedicó varios sonetos. 

Viajó mucho, primero a los Estados Unidos y luego a Brasil, donde se relacionó estrechamente con 
el mundillo literario de Rio de Janeiro, que también dejó huella en su obra. Fruto de aquel viaje fue 
su Salutación a los Poetas Brasileros (alabada, precisamente, por Rubén Darío). Más tarde estuvo en España, publicó colaboraciones en el diario ABC, recién fundado, y se relacionó con Emilio Castelar, quien criticó muy positivamente su cuento “El águila”. También visitó Portugal y Francia, y varios países sudamericanos.

Su pasión por la política, unida a su desmedida ambición, hizo que apoyara al general Terencio Sierra, comayagüeleño como él, quien sería presidente de la República de Honduras entre 1899 y 1903; pero después de haber bebido en exceso durante una fiesta en el palacio presidencial, se atrevió a recomendar a Sierra cómo debía gobernar: éste, furibundo, lo expulsó y mandó que lo detuvieran: como castigo fue torturado y condenado a trabajos forzados en la construcción de una carretera.

Al recuperar la libertad, se exilió a El Salvador. Humillado por sus muchas deudas y su frustración, 
se dio a la bebida y se convirtió en mofinómano, lo cual lo llevó pronto a la muerte. Enterrado en 
San Salvador, sus restos fueron depositados más tarde en el cementerio de Tegucigalpa, donde su memoria fue objeto de numerosos homenajes, reconocimiento póstumo a su personalidad y su obra, que fue recopilada en 1913 con el título Tierras, Mares y Cielos por su amigo Froylán Turcios (otro 
de los intelectuales más destacados de Honduras en el primer tercio del siglo XX).

Su vida inquieta y apasionada no evitó, sin embargo, que Juan Ramón Molina tuviera una vida infeliz: se casó dos veces y tuvo otros amores, su primera esposa murió muy joven y la vida de dos 
de sus tres hijos fue segada tempranamente, como la suya.

El 13 de enero de 2009, la Biblioteca Nacional de Honduras fue denominada oficialmente Biblioteca Nacional Juan Ramón Molina.


Enlaces de interés

- “Centenario de la muerte del modernista hondureño Juan Ramón Molina” (en Magazine Modernista, 15.11.2008. En español).
- “Homenaje a Juan Ramón Molina (1875-1908)” (vídeo, en YouTube. En español).
- “Juan Ramón Molina” (en EcuRed. En español).
- “Juan Ramón Molina” (en Honduras Literaria del siglo XX, 16.8.2015. En español).
- “Juan Ramón Molina. Obra” (relación de sus obras en verso y prosa, en Wikisource. En español).
- “Juan Ramón Molina en la pluma de Paulino Valladares”, en La Tribuna, Tegucigalpa, 30.10.2016.
En español).
- “Poemas. Juan Ramón Medina” (eBooks descargables gratuitamente. En iTunes. En español).
- “Poemas de Juan Ramón Medina” (en slideshare.net. En español).
- M. Cerrato Sandoval: “Quién fue Juan Ramón Molina?” (en Lea Honduras. En español).
- V. Gudiña: “Juan Ramón Molina” (en Poemas del Alma, 28.2.2014. En español).
- R. Mérida Cruz-Lascano: “Juan Ramón Molina. Poeta hondureño” (en monografías.com [1995]. En español).
- A. F. Meza Matute: “Juan Ramón Molina” (en SlideShare, 24.11.2014. En español).

Bibliografía

- M. R. Argueta: Nací en el fondo azul de las montañas hondureñas (Ensayo sobre Juan Ramón Molina). Tegucigalpa, 1990. (Accesible en línea a través de la Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes).
- E. Pérez: Habitante de la Osa. Editorial Nacional. San Pedro Sula, 1966.
- E. Pérez y otros: Juan Ramón Molina, Vida y Obra. Alin editora. Tegucigalpa, 1994.
- H. Rivera: Juan Ramón Molina. Editorial Universitaria. Tegucigalpa, 2007.

28 de enero de 2017

94. - Karl ISAKSON

(Estocolmo, 16 de enero de 1878 – Copenhague, Dinamarca, 19 de febrero de 1922)


Sello emitido por el Servicio postal de Suecia el 5 de septiembre de 1978 
para conmemorar el centenario del nacimiento de Karl Isakson. Reproduce 
su obra Modelo de pie vista desde atrás, pintada entre 1918 y 1920. 
(Valor facial: 1,15 coronas suecas)

El pintor sueco Karl Oscar Isakson tuvo una infancia difícil (era hijo de un herrero y cerrajero
que murió cuando él tenía solamente ocho meses, dejando a su esposa embarazada): vivió muy modestamente con su hermana Esther y su madre, que trabajaba de lavandera y planchadora.
Desde niño demostró talento para el dibujo y sobresalió en la escuela, pero a los trece años tuvo 
que abandonar los estudios para poder ayudar económicamente a su familia y entró a trabajar como ayudante de un pintor. Y a los quince años decidió inscribirse en las clases nocturnas de una escuela de dibujo, al tiempo que se convertía en un lector insaciable.

Más tarde trabajó como asistente del afamado pintor Carl Larsson, a quien demostró su talento en 
la ejecución de las pinturas murales de la escalera del Museo Nacional de Bellas Artes de Estocolmo. 
En 1897 Larsson lo animó a continuar sus estudios artísticos en la Academia de Arte de la capital sueca, le asignó un salario para que pudiera sostener a su familia y lo ayudó a conseguir una beca con la que, en 1902, pudo viajar a Italia: allí entró en contacto con el pintor danés Kristian Zahrtmann y su colonia de artistas que seguían las nuevas tendencias europeas, inspirados sobre todo por la obra 
de Paul Cézanne. Aquel encuentro sería fundamental en el desarrollo de su obra y en su concepción de la pintura.

Cuando Zahrtmann regresó a Copenhague, Isakson lo acompañó y asistió a sus clases de arte, vinculándose así a otros pintores jóvenes daneses que apostaron por el realismo y el naturalismo. Entre 1905 y 1907 residió en París, y pese a otras influencias (Delacroix, Manet y, sobre todo, Gustave Moreau), permaneció fiel al estilo de Cézanne y empezó a pintar paisajes, bodegones e interiores en los que jugaba, sobre todo, con los colores. Su su capacidad de síntesis acabaría convirtiéndolo en un modernista.

En 1911 descubrió la isla de Christiansø, de la que pintó numerosos paisajes, y más tarde haría lo mismo en la isla de Bornholm: allí realizó una de sus obras más conocidas: Vista de Gudhjem (1921). Mientras tanto, en secreto, sumido en una crisis provocada por la primera guerra mundial, durante los dos últimos años de su vida realizó una serie de pinturas religiosas centradas en la muerte y la resurrección, obras que no se descubrieron hasta después de su muerte.

Isakson fue muy reacio a exponer su obra, y vivió en Copenhague como un ermitaño. En realidad, sus pinturas empezaron a atraer la atención de la crítica y el público después de una exposición póstuma presentada en 1922 en el Liljevalchs konsthall de Estocolmo. Las colecciones más importantes de su obra se conservan en el Statens Museum for Kunst de Copenhague y el Bornholms Kunstmuseum.

Se considera a Karl Isakson uno de los introductores del modernismo en Dinamarca.


Enlaces de interés

- Karl Isakson (en Alchetron. Biografía, con un vídeo. En inglés).
- Karl Isakson (en el blog Ines, 5.5.2012. Datos biográficos y reproducciones de obras suyas. En español).
- Karl Isakson (en YouTube. Vídeo con reproducciones de obras suyas).
- Karl Isakson - Artworks (en The Athenaeum. Sobre 10 obras suyas. En inglés).
- Karl Oscar Isakson - Artworks (en Mutual Art. Reproducciones de obras suyas. En inglés).
- A. Gunnarsson: “Karl Isakson” (Moderna Museet, Estocolmo, 2004. En inglés).

22 de diciembre de 2016

93. - Galina ULÁNOVA (Галина Уланова)

(San Petersburgo, Imperio ruso, 8 de enero de 1910 – Moscú, Rusia, 21 de marzo de 1998)


Sello dedicado a Galina Ulánova, emitido 
por el Servicio postal de Rusia el año 2000. 
(Valor facial: 3 rublos)

Galina Serguéyevna Ulánova fue una figura muy destacada de la danza rusa y soviética. Era hija de 
los bailarines Serguéi Uliánov y María Románova, que trabajaban en el teatro Mariinski de San Petersburgo.

Empezó su formación a los nueve años en la Escuela de Ballet de Petrogrado, y en 1928 se graduó en la Escuela Coreográfica de Leningrado (antigua Academia Vagánova de Ballet Ruso). En mayo de aquel mismo año fue contratada por el Grupo de Ópera y Bellet de la misma ciudad (que más tarde pasaría a denominarse Ópera Estatal de Leningrado y ahora ha recuperado su antiguo nombre de Teatro Mariinski).

Sus primeras actuaciones, en 1929, llamaron la atención de la crítica, y entre 1930 y 1940 formó pareja artística con otro afamado bailarín, Konstantin Serguéyev. Luego se incorporó al famoso Teatro Kírov, del que se convirtió en primera figura y donde actuó hasta 1944. Obtuvo su éxito más importante interpretando el papel de Julieta en el ballet Romeo y Julieta de Prokófiev.

En 1942 fue enviada a Almá-Atá (la actual Almaty, en el Kazajistán), y allí se incorporó a la Compañía de la Ópera Académica y del Ballet Kazajo. Al año siguiente se le concedió el título honorífico de Artista del Pueblo de la RSS de Kazajistán, uno de los muchos reconocimientos que cosechó.

En 1944, de regreso a Leningrado, se convirtió en primera bailarina del Teatro Bolshói, en el que permaneció activa hasta 1960 y en el que sobresalió en el papel de Giselle, en el ballet del mismo nombre de Adolphe Adam.

Salió por primera vez de la Unión Soviética en 1945 para actuar en Viena, en 1954 actuó en Cannes (Francia), en 1956 participó en la primera gira triunfal del Teatro Bolshói en Londres, en 1958 en París y en 1959 en Nueva York.

En 1960 abandonó su carrera en los escenarios, pero continuó vinculada hasta el final de su vida al Teatro Bolshói como maestra de ballet. Allí tuvo como alumnas a algunas de las mejores bailarinas soviéticas de las generaciones más jóvenes (Yekaterina Maximova, Nina Timofeyeva  Svetlana Adirkhayeva, Liudmila Semenyaka, Nina Semizorova y Alla Mikhalchenko, entre otras muchas). También instruyó a solistas de la Grand Opera de París, el Ballet de Hamburgo, el Ballet Real de Suecia y de compañías de danza japonesas y australianas.

Se casó tres veces: con el actor y escenógrafo Yuri Zavadsky, el actor y director teatral y de cine Iván Bersénev y el pintor y escenógrafo Vadim Ryndin. Y pasó los últimos años de su vida en compañía de la periodista Tatiana Agafonova, a quien consideró hija adoptiva.

Recibió numerosos premios y reconocimientos, como el de Héroe del Trabajo Socialista (dos veces, en 1974 y 1980), Artista del Pueblo de la Federación Rusa (1939) y de la URSS (1940), el premio Stalin en cuatro ocasiones (1941, 1946, 1947 y 1959), la Orden de Lenin en tres ocasiones (1953, 1970, 1974 y 1980), el premio Lenin (1957), la Orden del León de Finlandia (1958), la Bandera Roja del Trabajo en cuatro ocasiones (1939, 1951, 1959 y 1967), la Orden de “Cirilo y Metodio” en Bulgaria (1968), la Orden de la Amistad de los Pueblos (1986), la Orden de las Artes y las Letras de Francia (1992), el Premio Presidencial de la Federación Rusa (1997), y muchas otras distinciones.

El año 2004 se inauguró un museo dedicado a ella en la casa de Moscú donde vivió de manera intermitente desde 1952 y durante sus últimos años.


Enlaces de interés

- Galina Ulanova (en Youtube. Vídeo documental, 15 min. En ruso).
-
Galina Ulánova (en Biografías y Vidas. En español).
-
Galina Ulánova (en Rusopedia. En español).
-
Galina Ulanova (1910-1998) (en Andros on Ballet, 5.1998. En inglés).
-
Galina Ulanova (1910-1998) (en Danza Ballet. 13.2.2016. En español).
-
Galina Ulanova - A Russian Ballet Icon Remembered (en londondance.com, 11.5.2011. Entrevista a Vladímir Vasiliev. En inglés).
-
Galina Ulanova, great Russian dancer (en Russian Personalities, 2015. En inglés).
-
Galina Ulánova, la mayor gloria del ballet soviético (en Octubre Rojo, 21.3.2008. En español).
-
Galina Ulánova (1910-1998) leyenda de la danza (en el blog Artistas o guerreras, 10.2010. Con fotografías. En español).
- J. Gregory:
“Obituary: Galina Ulanova” (en The Independent, 23.3.1998. En inglés).
- S. Gsell:
“El adiós a Galina Ulanova” (en La Nación, Buenos Aires, 23.3.1998. En español).
- E. McPherson:
“Galina Ulanova: The legendary Soviet ballerina” (en DanceTeacher Magazine, 31.10.2011. En inglés).
- J. Neumeyer:
“About Ulanova” (en Galina Ulanova Fond. En inglés).

Bibliografía

- M. Clarke: Six great dancers: Taglioni, Pavlova, Nijinsky, Karsavina, Ulanova, Fonteyn. Hamish Hamilton, Londres, 1957.
- F. Frühmann: Galina Ulanowa. Henschel, Berlín, 1961.
- A. Ilupina: Ballerina: The Life and Work of Galina Ulanova. Provident Publishing, Filadelfia, 1964.
- A. E. Kahn: Days with Ulanova: An Intimate Portrait of the Legendary Russian Ballerina. Kessinger Publishing, Nueva York, 2010.
- M. I. Sizova: Ulanova. Her Childhood and Scooldays. Adam & Charles Black, Londres, 1962.

12 de diciembre de 2016

92. - Dimcho DEBELIÁNOV (Димчо Дебелянов)

(Koprivshtitsa [entonces en la Bulgaria perteneciente al Imperio otomano], 28 de marzo de 1887 - Gorno Karadzhovo [actualmente Monokklisia, Grecia], 2 de octubre de 1916)

La escultura Madre, del artista Iván Lazarov, colocada sobre la tumba de Dimcho Debeliánov en Koprivshtitsa, representada en un sello emitido por el correo de la República Popular de Bulgaria en la década de 1950.
(Valor facial: 40 lev)

Sello emitido por el correo búlgaro en 1966 para conmemorar
el centenario de la muerte de Dimcho Debeliánov.
(Valor facial, 2 stotinki)

Sello emitido por el correo búlgaro en 1987 para conmemorar
el centenario del nacimiento de Dimcho Debeliánov.
(Valor facial, 5 stotinki)

Sexto hijo de una familia acomodada, el poeta búlgaro Dimcho Debeliánov quedó huérfano de padre a la edad de nueve años, y su madre decidió trasladarse a la ciudad de Plovdiv, donde vivía el mayor de los hermanos, Iván. Allí completó los estudios que había apenas iniciado en su localidad natal. Después de haber cursado los estudios primarios ingresó en la Escuela Superior para Muchachos, y en ella cursó los secundarios. En aquella época escribió sus primeros poemas, que luego quemaría.
El año 1904 la familia decidió establecerse en Sofía. Allí, en 1906, publicó algunos poemas en la revista Съвременност ('Modernidad'), y a partir del año siguiente empezó a colaborar en otras publicaciones periódicas, a veces sobre todo cuando se trataba de textos satíricos firmando con diversos seudónimos (Amer, Taft, Sulbatyor…). Aquel mismo año (1907) se inscribió en la Facultad de Derecho de la Universidad San Clemente de Ohrid de Sofía, pero en el curso siguiente decidió pasar a los estudios de historia y filología (que abandonó al cabo de dos años); mientras tanto estudió ruso, francés e inglés y tradujo a algunos poetas simbolistas rusos y franceses, e incluso algún texto de Shakespeare.
En octubre de 1912, desmotivado por los escasos recursos que obtenía trabajando en instituciones públicas y como periodista independiente, aceptó el reclutamiento militar y se ofreció para ir luchar como soldado raso en la guerra de los Balcanes, y al año siguiente consiguió ingresar en la Escuela
de Oficiales de Reserva de Boyana, donde el año 1915 fue ascendido a teniente.
Tras el estallido de la primera guerra mundial se ofreció de nuevo para luchar en el frente de Macedonia, donde escribió
los que se consideran sus mejores poemas, que enviaba por correo a sus amigos.
Durante la noche del 30 de septiembre de 1916, el pelotón a su mando entró en combate contra una división galesa (irlandesa, según otras fuentes) del ejército británico, y el 2 de octubre cayó herido de muerte en el campo de batalla a orillas del río Estrimón, cerca de la ciudad griega de Monokklisia. Su cuerpo fue enterrado en la iglesia búlgara de Demirhisar (hoy Siderókastro, en la Macedonia Central griega).
En 1931, por iniciativa del círculo literario Живо слово ('Palabra Viva'), sus restos fueron trasladados a Koprivshtitsa y depositados en una tumba sobre la que, en 1934, se colocó una escultura de Iván Lazarov titulada Madre, que representa a la abuela del poeta. El 1957 se restauró su casa natal, que
se convirtió
al año siguiente en museo dedicado a su memoria.
Su poesía íntima y elegíaca, simbolista con resonancias románticas, sobre todo la que escribió durante la guerra, inauguró una nueva tendencia en Bulgaria. Entre sus obras destacan el poema Поминиш ли, поминиш ли… ('Recuerda, recuerda…'), publicado por primera vez en 1914 con el seudónimo Mara Karlovska y el título Елегия ('Elegía'), Стихотворсения ('Versos', publicados en dos tomos por sus amigos, juntamente con una serie de cartas y escritos personales, en 1920) y Златна пепел ('Ceniza de oro', una amplia selección de poemas suyos que se editó el año 1940).

E
nlaces de interés

-
100 years since Dimcho Debelianov death (Muzey za istoriya na Sofiya, 29.9.2016. En inglés).
-
125 aniversario del poeta búlgaro Dimcho Debelyanov (en Numismático Digital, 22.10.2014. Sobre la moneda conmemorativa puesta en circulación en Bulgaria. En español).
-
Dimcho Debelyanov's Memorial House (en Bulgaria inside, 2.1.2008. En inglés).
-
Koprivshtitsa – Dincho Debelyanov (vídeo dedicado a su museo, 2010. En búlgaro).
-
D. Konstantinova: “Intense Literature … - Dimcho Debelyanov, Hristo Smirnenski, Leo Milev” (en Radio Bulgaria, 26.1.2014. Con un vídeo dedicado a Debeliánov. En inglés).
-
J. Lavauzelle (trad.): “Poème bulgare de Dimcho Debelyanov - Chanson Noire (1910)” (en Artgitato, 1.11.2015. En búlgaro y francés).
-
R. Mihailova Frison-Roche: Prière” (en Slovoto. Poema de D. Debeliánov traducido al francés).