81. - Margot FONTEYN

(Reigate, Surrey, Inglaterra, 18 de mayo de 1919 – Panamá, 21 de febrero de 1991)

Serie de dos sellos emitidos por el correo de Panamá 

el 12 de marzo de 1992 en homenaje a Margot Fonteyn. 

(Valores faciales: 35 y 45 centésimos de balboa)

Sello dedicado a Margot Fonteyn, emitido por el servicio postal 

del Reino Unido el 6 de agosto de 1996. 

(Valor facial: 26 peniques)

Sello dedicado a Margot Fonteyn, emitido por el servicio postal 

de la isla de Jersey el 8 de marzo de 2011. 

(Valor facial: 36 peniques)

Margoy Fonteyn es el nombre que adoptó la bailarina británica Margaret Evelyn Hookham, una 

de las figuras más destacadas del ballet clásico del siglo XX. Adaptó ese nombre, al igual que su hermano, del apellido de su abuelo materno, el brasileño Antônio Fontes.

Empezó a estudiar danza cuando era una niña en la ciudad china de Shanghái, a la que se había trasladado su familia y donde tuvo como como profesor al maestro de ballet ruso George (Yuri) Goncharov y los continuó, a partir de los catorce años, en Londres, adonde había regresado con su madre y su hermano: allí debutó en 1934 como figurante en el ballet Cascanueces, de Chaikovski.

A partir de entonces, gracias a su talento, inició una carrera meteórica, sobre todo a partir de 1939. 

El famoso coreógrafo Frederick Ashton, impresionado por su virtuosismo, la convirtió en una de sus “musas”, y durante veinticinco años creó ballets para ella. Sin embargo, Margot Fonteyn consideró siempre que su inspiradora había sido la bailarina y coreógrafa irlandesa Ninette de Valois, que la ayudó a perfeccionar sus conocimientos y su estilo y la orientó artísticamente.

Su fama internacional llegó a finales de la década de 1940, cuando ya había interpretado la mayoría de los ballets clásicos, y en 1955, después de una larga relación amorosa con el compositor Constant Lambert, se casó con el diplomático panameño Roberto Arias (que al poco tiempo sería nombrado embajador de Panamá en el Reino Unido) con quien tuvo tres hijos.

Tras haberse consagrado como primera figura del Royal Ballet de Londres, Margot Fonteyn adoptó como partenaire al bailarín Rudolf Nuréyev, que había huido de la Unión Soviética, con quien formó la pareja más famosa del ballet clásico, que cosechó grandes éxitos internacionales.

No hay que olvidar, por otra parte, sus interpretaciones para el cine y la televisión, tanto en solitario como formando pareja con Nuréyev, en su país y en los Estados Unidos.

Se retiró de la danza en 1970, con más de cincuenta años de edad, y estableció su residencia definitiva en Panamá, donde enviudó y falleció. Ostentó el título de “prima ballerina assoluta” y fue nombrada Dama comendadora de la Orden del Imperio británico por la reina Isabel II; fue también rectora honoraria de la Universidad de Durham. El 1976 publicó su Autobiografía.

Enlaces de interés

- “Dame Margot Fontayn” (en Encyclopedia of World Biography, 2004. En inglés).
- “Margot Fonteyn” (en Bibliodanza. En español).
- “Margot Fonteyn” (en Biografías y Vidas. En español).
- “Margot Fonteyn” (en NNDB, 2014. En inglés).
- “Margot Fonteyn (1919 - 1991) Margaret Hookham” (en Biografias.es. En español).
- “Rudolf Noureev et Margot Fonteyn, un accord parfait” (en Fondation Rudolf Nureev. En francés, inglés 

y ruso).
- O. Bowcott: “Dame Margot Fonteyn: the ballerina and the attempted coup in Panama” (en The Guardian, Londres, 28.5.2010. En inglés).
- J. Bravo: “Veinticinco años sin Margot Fonteyn, la dama británica de la danza” (en ABC, Madrid, 21.2.2016. En español).
- S. Crook: “Margot Fonteyn: Biography” (en IMDb. En inglés).
- M. Lanchin: “Dame Margot Fonteyn and the Panama sanitary towel coup” (en BBC News, 30.4.2013. En inglés).
- J. Mackrell: “Margot Fonteyn dancing as you've never seen her before” (en The Guardian, Londres, 10.12.2013. En inglés).
- D. Wigg: “Were Margot Fonteyn and Rudolf Nureyev secret lovers?” (en Mail Online, Londres, 26.11.2009. En inglés).

Bibliografía

- M. Daneman: Margot Fonteyn: A Life . Viking Press, Nueva York, 2004.
- M. Fonteyn: Autobiography. Alfred A. Knopf, Nueva York, 1976.
- K. Walker & S. Woodcock: The Royal Ballet: A Picture History. Threshold Books, Londres, 1981.

80. - MUSEO NACIONAL DE HISTORIA Y ARTE, Luxemburgo

Sello dedicado al Museo Nacional de Historia y Arte, emitido por el correo 

del Gran Ducado de Luxemburgo el 28 de septiembre de 2004. 

(Valor facial: 50 céntimos de euro)

Las primeras colecciones de materiales arqueológicos y numismáticos que luego se integrarían en 

el Musée national d’histoire et d’art (MNHA) de Luxemburgo, empezaron a reunirse el año 1845 mediante las aportaciones de la Société archéologique (oficialmente, Société pour la recherche et 

la conservation des monuments historiques dans le Grand-Duché de Luxembourg), y se ampliaron pronto con adquisiciones, legados, objetos y documentos históricos y nuevos hallazgos, a los que se añadirían más tarde obras de arte.

Al fundarse el Institut grand-ducal de Luxembourg, en 1868, la Société archéologique se convirtió en Section historique de la nueva institución, y fue reconocida oficialmente por el Estado, que aprobó la creación de un museo, proyecto que no se empezó a llevar a cabo hasta 1922, cuando se adquirió la casa Collart-de Scherff, en el barrio histórico del Marché-aux-Poissons, que se adaptó para su función de museo, el cual debía ser inaugurado el año 1939, en el contexto de las celebraciones del centenario de la independencia de Luxemburgo. Sin embargo, el estallido de la segunda guerra mundial pospuso el acto hasta 1946, cuando fue abierto dentro de los Musées de l'État, que estaban formados por dos departamentos: uno de historia y arte y otro de historia natural.

En 1958 se creó una comisión encargada de adquirir obras artistas contemporáneos, y en 1966, tras 

el descubrimiento de cuatro interesantes cámaras funerarias galorromanas, se impulsó la actividad arqueológica, con lo que el museo se fue enriqueciendo: actualmente, el Centre national de recherche archéologique tiene a su cargo la sección arqueológica del mismo.

En 1988, el crecimiento de las colecciones obligó a establecer el Museo de Ciencias Naturales en un nuevo edificio, con lo cual se crearon dos museos independientes: el Musée national d'histoire et d'art (Nationalmusée fir Geschicht a Konscht, en luxemburgués, que permaneció en el viejo edificio, remodelado) y el Musée national d'histoire naturelle (Nationalmusée fir Naturgeschicht), conocido como Naturmusée.

En 1995 se planteó una vez más la insuficiencia del espacio que ocupaba el museo de historia y arte (los 1900 m² de la vieja casa Collart-de-Scherf), y se aprobó la construcción de un edificio de nueva planta, con una superficie disponible para exponer las colecciones de 4300 m². Inaugurada el año 2002, la nueva estructura (un bloque monolítico) acoge el museo propiamente dicho, mientras que 

el viejo edificio, conectado con el nuevo a través de un atrio, ha quedado relegado a la recepción, con una tienda y una cafetería, una sala para exposiciones temporales y otra para proyecciones.

La sección de historia del museo comprende una parte arqueológica (desde la Prehistoria hasta la Edad Media, con piezas de las culturas celta, germánica y romana) y otra de monedas y medallas.
La de arte está dividida entre una parte dedicada a las artes decorativas y populares y otra a las bellas artes. El museo acoge regularmente, además, exposiciones temporales.

Enlaces de interés

- “Luxembourg Ville: Musée national d’histoire et d’art” (en Europe Video Productions. Vídeo).
- “MNHA - Musée national d’histoire et d’art, Luxembourg” (página oficial. En francés, alemán e inglés).
- “Musée national d'histoire et d'art Luxembourg (MNHA)” (Facebook. En francés).
- “National Museum of History and Art” (Wikipedia. En inglés).
- “Préhistoire: Musée national d'histoire et d'art Luxembourg” (en YouTube. Vídeo, en francés).
- P. Michaely & J. Kox: “Le groupement des musées de la Ville de Luxembourg” (en La lettre de l’OCIM. En francés).

79. - Stratís TSÍRCAS (Στρατής Τσίρκας)

(El Cairo, Egipto [entonces protectorado británico], 23 de julio de 1911 – Atenas, 27 de enero

de 1980)

Sello dedicado a Stratís Tsírcas, emitido 

por el correo griego el 23 de octubre de 2014. 

(Valor facial: 2,10 euros)

Sudónimo que adoptó el narrador, poeta, ensayista, traductor literario y militante antifascista griego Yánnis Jatsiandreas (Γιάννης Χατζηαντρέας), uno de los escritores en lengua griega más destacados de la posguerra.

Su padre se había instalado en la capital egipcia, donde ya había una importante colonia griega, huyendo del servicio militar en el ejército del Imperio otomano, al que Grecia estaba sometida. Su madre procedía de la isla de Quíos y su abuelo residía en Alejandría, donde el futuro poeta pasó largas temporadas en su infancia y donde luego fijó su residencia.

Después de graduarse en comercio, trabajó varios años como contable de una empresa algodonera del Alto Egipto, que luego dirigió; allí escribió sus primeros poemas y algunos relatos sobre la vida 

de los campesinos de la región. En 1939 se estableció en Alejandría y se hizo cargo de la dirección de una fábrica de curtidos hasta 1963, cuando decidió marcharse a Atenas. 

En 1930 conoció en Alejandría a Constantino Cavafis, sobre quien escribiría más tarde dos ensayos: Εποχή του (‘Cavafis y su época’ , 1958) y Ο Πολιτικός Καβάφης (‘El Cavafis político’, 1971).

En 1937 viajó a París para participar en el II Congreso Internacional de Escritores por la Defensa 

de la Cultura y contra el Fascismo, y escribió, conjuntamente con el poeta estadounidense Langston Hughes, el Juramento de los poetas a Federico García Lorca, que leyó Louis Aragon en una de las sesiones del congreso. Antes, en Egipto, había sido activista de algunos movimientos de izquierdas, 

y en el año 1943, durante la segunda guerra mundial, afiliado al partido comunista, se adhirió a la Liga Griega de Liberación (Ελληνικός Απελευθερωτικός Σύνδεσμος, ΕΑΣ), de la que lideró la sección de Alejandría. Entre 1946 y 1951 fue, además, secretario de la Vanguardia Antifascista griega.

Entre los años 1944 y 1954 publicó tres libros de cuentos, y en 1957, inspirado y alentado por la nacionalización del canal de Suez, escribió en apenas diez días una novela, Νουρεντίν Μπόμπα (‘Nureddín Boba’), como homenaje a la lucha antiimperialista de los egipcios, con la que se dio a conocer en Grecia. Entre 1960 y 1965 se consagró a la que se convertiría en su obra más importante, la trilogía Ακυβέρνητες Πολιτείες (‘Ciudades a la deriva’), que lo enfrentó con el partido comunista, del que fue expulsado.

Tras el golpe de Estado de los coroneles y durante la dictadura que impusieron en Grecia (1967-1974) tuvo que permanecer en silencio y dedicarse a la traducción, del italiano y, sobre todo, del francés.

Entre las obras narrativas de Statís Tsírcas hay que destacar también Στον κάβο κι άλλα διηγήµατα (‘En el cabo y otros relatos’, 1966) y la novela Η Χαµένη Άνοιξη (‘La primavera perdida’, 1976). Dejó, además, tres libros de poesía: Φελλάχοι (‘Fellahín’, 1937), Το Λυρικό Ταξίδι (‘Viaje lírico’, 1938) y Προτελευταίος Αποχαιρετισµός και το Ισπανικό Ορατόριο (‘Penúltima despedida y Oratorio español’, 1946).

Enlaces de interés

- “Stratis Tsirkas (1911-1980)” (en Yoctown, 2011. Página muy completa, en francés).
- “Stratis Tsirkas (1911-1980)” (en HFC, Sezione italiana. En italiano).
- “Stratis Tsirkas. Drifting Cities” (en EKEBI, 2012. Lista de traducciones de sus obras. En inglés).
- “Stratis Tsirkas: Drifting Cities Turn 50 Years Old” (en Greek News Agenda, 19.2.2016. En inglés).
- M. Arias Maldonado: “El gozoso estigma griego”, en Letras Libres, 7.2013. En español).
- J. Castro: “`Ciudades a la deriva´ de Stratís Tsircas” (en Διδασκαλοσ, 13.2.2013. En español).
- A. Gresh: “Dans le labyrinthe de l’histoire” (en Le Monde diplomatique, 9.1993. En francés).
- A. Kitroeff: “The Political Tsirkas - Drifting Cities as History” (en greekworks.com, 18.12.2002. En inglés).
- F. Martínez Hidalgo: “Ciudades a la deriva (Trilogía), de Stratís Tsirkas” (en Fantasymundo, 7.9.2012. En español).
- P. Redondo Reyes: “Grecia” (en Λογοτεχνíα: un diario literario, 1.8.2014. En español).
- D. Szenes: “Tsirkas Stratis (1911-1980)”, en Encyclopædia Universalis. En francés).

Bibliografía

- Th. J. Doulis: “"Stratis Tsirkas: Voice from the Cellar", en Journal of the Hellenic Diaspora, Hellenic American Society, Indianapolis, Vol. 3, 1975, pp. 27-36.
- N. C. Germanicos: “An Interview with Three Contemporary Greek Writers: Stratis Tsirkas, Thanassis Valtinos, George Ioannou”, en Boundary 2, Duke University Press. Vol. 1, No. 2, Winter 1973, pp. 266-314.
- E. D. Karampetsos: “Stratis Tsirkas and the Arabs”, en Journal of Modern Greek Studies, Johns Hopkins University Press, Vol. 2,Nr. 1, 5.1984, pp. 39-51.
- E. Papargyriou: Reading Games in the Greek Novel. Legenda Books, Oxford, 2011.
- J. Rodenbeck: “Alexandria in Cavafy, Durrell, and Tsirkas”, en Alif: Journal of Comparative Poetics, 2001.
- Y. Thoraval: “Stratis Tsirkas, un grand romancier Grec d'Egypte”, en Revue française d'études politiques méditerranéennes, 4 (4.1972), pp. 109–110.

78. - Kulyash BAISEITOVA (Күләш Бәйсейітова)

(Distrito de Aktogai, Karaganda [Kazajistán, Imperio ruso], 20 de abril de 1912 – Moscú, Rusia, Unión Soviética, 6 de junio de 1957)

Serie de tres sellos dedicados a Kulyash Baiseitova, emitidos 

por el correo de Kazajistán el 12 de diciembre de 2012, 

con motivo del centenario del nacimiento de la cantante. 

(Valores faciales: letra A, 2 y 50 tenge)

La cantante kazaja y activista política soviética Kulyash Baiseitova, una de las fundadoras del género operístico en Kazajistán, demostró pronto un gran talento para el canto, por lo que tanto su padre como algunos destacados músicos kazajos de la época la ayudaron a modular la voz.

Empezó a cantar siendo una niña, a finales de la década de 1920, cuando la ópera, la música sinfónica y el canto coral, tal como eran concebidos en Europa, empezaban a introducirse en la estepa kazaja, 

y pronto inició su carrera musical, aunque todavía no profesional; en 1934 recibió su primer título honorífico de Artista de Honor de la RSS de Kazajistán.

Aquel mismo año, y sobre todo a partir de 1937, tras haber pasado por el nuevo Estudio de Música del Estado, ya actuaba como soprano en el Teatro Abay de Ópera y Ballet, inaugurado tres años antes en Almá-Atá, la actual Almaty, capital de la República Socialista Soviética de Kazajistán.

Su éxito se fue extendiendo por toda la Unión Soviética, sobre todo después de haber protagonizado el estreno de la ópera Kyz-Zhibek de Yevgueni Brusilovski (basada en una leyenda del siglo XVI), considerado un acontecimiento histórico para la música de aquel país ya que fue, de hecho, la primera ópera kazaja. El éxito se repitió cuando la misma ópera fue interpretada en Moscú, con excelentes críticas, y en otras ciudades de la URSS.

Su talento y versatilidad le valieron, en 1936, el codiciado título de Artista del Pueblo de la URSS. 

Su amplio repertorio no sólo operístico (protagonizó óperas de nuevos compositores de su país y de compositores rusos), sino también de canciones populares, y el particularísimo timbre de su voz, característico de la estepa kazaja, fueron otros factores importantes para su popularidad. Ésta, a su vez, la convirtió además en un personaje destacado de la vida política durante la última época del régimen estalinista.

En este ámbito fue elegida repetidamente diputada del Sóviet Supremo de la RSS del Kazajistán (y miembro de la comisión para la adjudicación de las ayudas estatales), encabezó el Consejo Kazajo para la Música Comunitaria y participó activamente en la organización del segundo congreso del Movimiento Internacional de Partidarios de la Paz, celebrado en Moscú en 1949.

Además de los ya indicados, recibió otros importantes premios y reconocimientos. Una de las calles de Almaty lleva su nombre, lo mismo que una nueva escuela de música y el moderno Teatro de la Ópera de la nueva capital kazaja, Astaná.

Enlaces de interés

- “Байсеитова Куляш Жасыновна” (en Зал славы Казахстана. En ruso).
- “Kulyash Baiseitova” (en Асыл мұра. En inglés).
- “Kulyash Baiseitova” (Wikipedia. En inglés).
- “Vídeos populares - Kulyash Baiseitova” (en YouTube).

77. - Álvaro SIZA VIEIRA

(Matosinhos, Oporto, 25 de junio de 1933)

Sello dedicado a Álvaro Siza Veira, emitido por Correios de Portugal en 2014. 

(Valor facial, I 20 g, equivalente a 0,80 euros, para el correo ordinario internacional)

El arquitecto portugués Álvaro Joaquim de Melo Siza Vieira –conocido en su país como Álvaro 

Siza Veira o, simplemente, Siza Veira, e internacionalmente como Álvaro Siza– decidió estudiar arquitectura tras visitar Barcelona a finales de la década de 1940 y conocer la obra de Antoni Gaudí, aunque también influyó en su decisión una estancia en Roma, donde quedó impresionado por el Coliseo. En sus obras es evidente, además, la influencia de grandes arquitectos como Alvar Aalto, Frank Lloyd Wright y Le Corbusier, y del legado del modernismo portugués.

Tras licenciarse en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Oporto (1966), fue profesor adjunto de aquella facultad y, a la vez, profesor titular de la Escuela Superior de Bellas Artes de la misma ciudad hasta 1969. Posteriormente sería profesor visitante de las universidades de Lausana, Pensilvania, Harvard y Bogotá.

Su concepción innovadora de la arquitectura le dio muy pronto renombre internacional, y recibió encargos de Alemania, España, los Países Bajos y Argentina, entre otros países. Hay que destacar su tarea como director del Plan de Recuperación de Schilderseijk, en La Haya, y la reconstrucción del Chiado de Lisboa, tras el desastroso incendio que destruyó aquel barrio en agosto de 1988.

En sus proyectos, Siza Vieira prioriza la armonía de las formas y del espacio, y tiene muy en cuenta 

la función de los edificios, especialmente los dedicados a vivienda, aspectos que explica muy bien en su ensayo Vivir una casa (1994).

Entre sus obras, además de las citadas, sobresalen el edificio Schlesisches Tor, en Berlín (1988); la “Torre de Siza” en Maastricht (Países Bajos, 1990); la Delegación Territorial de la Agencia Estatal de Meteorología (AEMET) española en la Vila Olímpica de Barcelona (1992); el Centro Galego de Arte Contemporánea, en Santiago de Compostela (1993); el edificio del Rectorado de la Universidad 

de Alicante (1997); el Pabellón de Portugal para la Exposición Universal de Lisboa (1998); el Parc Esportiu Llobregat, en Cornellà de Llobregat (2004); la Fundación Iberê Camargo, en Porto Alegre (Brasil, 2008); el Paraninfo de la Universidad del País Vasco, en Bilbao (2010); el Taller-Museo 

Julio Pomar, en Lisboa (2010, al que se dedica el sello) y el Auditorio "Manzana del Revellín", en 

Ceuta (2011).

Su labor ha merecido numerosos premios, entre los que destacan la medalla de oro de la Fundación Alvar Aalto (1988), el Premio Europeo de Arquitectura de la Comisión de las Comunidades Europeas (premio Mies van der Rohe, 1988), el prestigioso Premio Pritzker (1992), el Praemium Imperiale de la Asociación de Arte de Tokio, el de la Fundación Wolf de las Artes (2001), la medalla de oro del Royal Institute of British Architects (2009), el Premio Luso-Español de Arte y Cultura (2010) y el León de Oro al mejor proyecto (2002) y a la mejor trayectoria profesional (2012) en la Bienal de Arquitectura de Venecia.

Desde 2010 es Comendador de las Orden de las Artes y las Letras de París. Además, es doctor Honoris Causa por varias universidades europeas y americanas.

Enlaces de interés

- “Álvaro Siza” (en La Revista / El Mundo, Madrid [‘Lisboa Expo98’]. Entrevista. En español).
- “Álvaro Siza. Complete Works 1952-2013” (en Metalocus, 23.4.2013. En inglés y español).
- “Álvaro Siza Vieira” (página oficial. En inglés).
- “Álvaro Siza Vieira” (en EcuRed. En español).
- “Álvaro Siza Vieira. Biografía y obra” (Artium, 2010. Con fotografías. En español).
- “Lista de trabalhos de Álvaro Siza Vieira” (en Wikipedia, con fotografías. En portugués).
- “Siza Vieira, Álvaro” (La Web de las biografías. En español).
- “Una puerta al siglo XXI de Álvaro Siza” (en arq.com.mx, 16.2.2015. Sobre el nuevo acceso a la Alhambra de Granada. Con fotografías. En español).
- M.A.J. Bastros: “Álvaro Siza e o Brasil” (en Artecapital, 20.11.2008. En portugués).
- E. Chao: “Alvaro Siza Saudade del espacio, nostalgia de la forma” (en IMCYC, 4.2004. En español).
- J.M. Lozano Velasco: “Álvaro Siza Vieira” (Universitat Politècnica de València, 2013. En español).
- R.M. Martins: “A ‘ideia de lugar’. Um olhar atento às obras de Siza”. Dissertação de Mestrado. Universidade de Coimbra, 12.2009).
- A. Mota Ribeiro: “Álvaro Siza Vieira” (en Revista Pública, 4.2009. Entrevista. En portugués).
- C. Pereira: “Álvaro Siza Vieira” (Universidade do Porto. En portugués).

Bibliografía

- Álvaro Siza, obras e proxectos. Centro Galego de Arte Contemporánea, Santiago de Compostela, 1995.

- L. Carratalá & al.: Álvaro Siza y la arquitectura universitaria. Publicacions de la Universitat de València, 2003.
- J.-P. Castanheira: Álvaro Siza: The Function of Beauty. Phaidon, Londres-Nueva York, 2014.
- T. Cattaneo: Álvaro Siza. Maggioli Editore, Santarcangelo di Romagna, 2012.
- V. Cruz: Retratos de Siza. Campo de Letras Editores, Oporto, 2005.
- B. Fleck: Álvaro Siza. Traducción de Carlos Sini. Akal, Madrid, 2004.
- K. Framtom: Álvaro Siza, profesión poética. Ed. Gustavo Gili, Barcelona, 1990.
- P. Jodidio: Alvaro Siza: Complete Works 1952-2013. Taschen, Colonia, 2013.
- G. Leoni: Álvaro Siza. 24 Ore Cultura, Milán, 2009.
- C. Muro: Álvaro Siza, escrits. Ed. Gustavo Gili, Barcelona, 1994.
- M. Passanha: Siza lugares sagrados – monumentos. Campo de Letras Editores, Oporto, 2003.
- C.S.C.N. Pereira: Álvaro Siza. Um ícone da arquitectura contemporânea. FLUP, Oporto, 2008.
- J. Rodrigues: Álvaro Siza: obra e método. Civilização, Oporto, 1992.
- A. Sánchez Vidiella: Siza Vieira. Loft Publications, Barcelona, 2012.
- P. Testa: Álvaro Siza. Ed. Gustavo Gili, Barcelona, 1993.

76. - Andrew MURRAY

(Graaff-Reinet, Colonia del Cabo, Sudáfrica, 9 de mayo de 1828 – Wellington, provincia del Cabo Occidental, 18 de enero de 1917)

Sello emitido por el correo de la República de Sudáfrica el 9 de mayo de 1978 

para conmemorar el 150º aniversario del nacimiento de Andrew Murray. 

(Valor facial: 4 céntimos de rand)

Hijo de un pastor protestante vinculado a la Iglesia Presbiteriana de Escocia, Andrew Murray también fue pastor, además de escritor religioso, maestro de escuela y uno de los teólogos sudafricanos más destacados, conservadores y controvertidos.

Su familia lo envió a estudiar a Aberdeen (Escocia) junto con su hermano John, y ambos permanecieron allí hasta el final de la enseñanza secundaria, en 1845. Luego fueron a estudiar teología a la Universidad de Utrecht (Países Bajos), donde se integraron en el movimiento de renovación religiosa Réveil, opuesto al racionalismo imperante entonces en el país, y el 9 de 

mayo de 1848 fueron ordenados ministros por el Comité de La Haya de la Iglesia Reformada Neerlandesa, tras lo cual regresaron a Sudáfrica.

Ya en su tierra natal, Andrew Murray ejerció durante el resto de su vida como maestro y pastor 

en Bloemfontein, Worcester, Ciudad del Cabo y Wellington, y fue uno de los impulsores del South African Revival (Renacimiento Sudafricano) de 1860, que supuso un gran estímulo para la vida religiosa en la Colonia del Cabo y se extendió a gran parte de la actual Sudáfrica.

Fue también uno de los fundadores, en 1889, de la South East Africa General Mission, y en 1891 colaboró con Martha Osborn en el establecimiento de la South East Africa General Mission, cuya posterior expansión a otros países africanos daría lugar muchos años más tarde (en 1965) a la 

Africa Evangelical Fellowship, que acabaría integrándose en la organización internacional Serving 

in Mission. Se convirtió, además, en un líder en su país del movimiento Higher Life (‘Movimiento 

de la Vida Elevada’), conocido también como Movimiento de Keswick.

Murray publicó numerosas obras, en muchas de las cuales predicó su teología de la curación por 

la fe y la creencia en la continuación de los dones apostólicos, lo cual lo convertiría en un destacado precursor del movimiento pentecostal. Entre esas obras hay que destacar Be Perfect (‘Sé perfecto’), Humility: The Beauty of Holiness (‘Humildad: la belleza de la santidad’), The Deeper Christian 

Life (‘La vida cristiana más profunda’), The Spiritual Life (‘La vida espiritual’), The Secret of God's Presence (‘El secreto de la presencia de Dios’), Waiting on God (‘Esperar en Dios’), With Christ in the School of Prayer (‘Con Cristo en la escuela de oración’, donde rinde homenaje a la labor benéfica y curativa, mediante exorcismos, del pastor y teólogo revivalista alemán Johann Christoph Blumhardt en Möttlingen) y Humility & Absolute Surrender (‘Humildad y entrega absoluta’).

Su obra teológica continúa teniendo hoy en día muchos seguidores, y sus libros todavía se reeditan.

Enlaces de interés

- “150 Andrew Murray Quotes” (en Christian Quotes. En inglés).
- “Andrew Murray” (en Rapture Ready. En inglés).
- “Andrew Murray: A Brief Biography” (en Path 2 Prayer. En inglés).
- “Andrew Murray: Leading student in Christ's school of prayer” (en Christian History, 8.8.2008. En inglés).
- “Books by Andrew Murray” (en Amazon. Reediciones modernas de sus obras. En inglés).
- “Online Books by Andrew Murray” (en The Online Books Page. Enlaces a obras suyas íntegras o resúmenes. En inglés).
- “Remain in Me and in You” (en Healing and Revival, 2004, En inglés).
- “Text Sermons: Andrew Murray” (en SermonIndex.net. Con enlaces a textos de numerosos sermones de 

A. Murray. En inglés).
- “The Prayer Life by Andrew Murray” (en worldinvisible.com. En inglés).
- D. Graves: “Andrew Murray's Record of His Spiritual Life” (en Christianity.com, 2007. En inglés).
- V. Hafichuk: “False Teacher - Andrew Murray: Christlike Antichrist” (en The Path of Truth. En inglés).
- LeMS: “Andrew Murray” (en Biografías de Teólogos Reformados, 2.2.2010. En español).

Bibliografía

- J. Du Plessis: The Life of Andrew Murray of South Africa. Marshall, Morgan & Scott, Londres, 1919.
- D. J. Goodhew: “Murrary, Andrew", in T. Larsen (Ed.): Biographical Dictionary of Evangelicals. InterVarsity Press, Downers Grove (Illinois, USA), 2003.
- F. B. Meyer: Winter in South Africa. National Council of Evangelical Free Churches, Londres, 1914.

75. - Ignacio PIÑEIRO

(La Habana, 21 de mayo de 1888 – 12 de marzo de 1969)

Sello con la imagen de Ignacio Piñeiro, emitido 

por el correo de Cuba el 10 de mayo de 2007. 

(Valor facial: 10 centavos de peso)

De origen humilde, el músico Ignacio Piñeiro Martínez está considerado uno de los mayores compositores e intérpretes del son cubano.

Su pasión por la música surgió muy pronto, cuando cursaba los estudios primarios, y no tardó en incorporarse a coros infantiles. Después de ejercer diversos oficios, se sumergió en los ambientes musicales de La Habana y formó parte de algunos grupos populares rumberos y de guayancó, como Timbre de Oro y Renacimiento, hasta que en 1926 se unió al Sexteto Occidente, que había fundado aquel mismo año María Teresa Vera –quien le enseñó a tocar el contrabajo–, con el que viajó a Nueva York e hizo una gira por los Estados Unidos.

Al año siguiente, de regreso a La Habana, creó el Sexteto Nacional con músicos procedentes de diversos lugares de Cuba, que meses más tarde, al añadirle una trompeta, se convirtió en el Septeto Nacional Ignacio Piñero, que pronto cosechó grandes éxitos con su repertorio de rumbas y son, y 

que en 1929 viajó a Sevilla para participar en la Exposición Iberoamericana, lo cual empezó a darle renombre internacional. En los tres meses que permaneció en España actuó en diversas ciudades (Madrid, Valladolid, Santander, La Coruña, Vigo…) y grabó varios discos. 

En 1937 Piñeiro dejó su conjunto y se incorporó como compositor y cantante al de Los Roncos, pero en 1954 regresó a su septeto y no abandonó la música hasta su muerte. Su popularidad llegó a ser tan grande, que el compositor estadounidense George Gershwin incorporó su canción Échale salsita, de 1930, a su Cuban Overture (1932), como tema para trompeta.

Como compositor innovó la forma del son oriental cubano y lo desarrolló magistralmente dotándolo de nuevas cadencias, ritmos y melodías, al tiempo que escribía las canciones con un estilo mucho más depurado e introducía variantes en el género, como la guajira-son, la canción-son y el afro-son, con lo que se convirtió en un modelo para compositores más jóvenes.

Entre sus composiciones (más de 320) destacan, además, Don lengua (que haría célebre el cantante Ray Barretto), Las cuatro palomas, Noche de conga, A la lae la la, Coco mai mai, Donde estaba la noche, Suavecito, El son hay que llevarlo en el corazón y Mentira, Salomé. Se atribuye también a Piñeiro la autoría del actual himno oficial del Principado de Asturias, Asturias, Patria querida (su padre era asturiano), pero hay muchas dudas al respecto, ya que probablemente tal himno procede de una canción de los mineros polacos que trabajaban en aquella región.

En 1999 su nombre fue incluido, póstumamente, en el International Latin Music Hall of Fame.

Enlaces de interés

- “Ignacio Piñeiro” (en EcuRed. Biografía muy completa y documentada. En español).
- “Ignacio Piñeiro” (en En Caribe, Santo Domingo. En español).
- “Ignacio Piñeiro Chords and Tabs” (en Riffstation. Con audiciones. En iuglés).
- “Septeto Nacional de Cuba and Ignacio Piñeiro” (en AfroCubaWeb. Con fotografías y reproducciones de artículos en inglés y español).
- R. Casado: “Ignacio Piñeiro le puso sombrero, traje, cuello y corbata al son” (en Radio Praha, 15.6.2004. Conversación con R. Oropesa. En español).
- G. Chirino Martínez: “Ignacio Piñeiro: Il rivoluzionario del son cubano” (en 5av.it, 27.6.2013. En italiano y español).
- C. Díaz Ayala: “Ignacio Piñeiro tiene ya su libro” (en Diario de Cuba, 28.7.2013. Interesante reseña, con muchos datos, del libro de R. R. Oropesa: La Habana tiene su son. En español).
- R. Fernández-Larrea: “Kabiosile Ignacio Piñeiro” (en Archivo Cubano. En español).
- A. Iglesias Regueyra: “Ignacio Piñeiro y su protagonismo en la música cubana” (en Radio Enciclopedia, La Habana, 12.3.2015. En español).
- M. Páez Bolet: “María Teresa Vera e Ignacio Piñeiro” (en dejalaquesigaandando.blogspot.com, 24.7.2013. Con un vídeo. En español).
- T. Quintero: “Ignacio Piñeiro es el autor del himno de Asturias” (en zoevaldes.net, 26.11.2013. En español).
- B. Tilford: “Septeto Nacional Ignacio Piñeiro” (en Timba, 9.1.2012. Con el audio de una entrevista a F. Oropeza y E. Rodríguez. En inglés).

Bibliografía

- J. Blanco Aguilar: Ochenta años del son y los soneros del Caribe 1909-1989. Editorial Tropycos, Caracas, 1992.
- L. Depestre Catony: Homenaje a la música popular cubana. Editorial Oriente, Santiago de Cuba, 1989.
- E. Hernández: La música en persona. Editorial Letras Cubanas, La Habana, 1986.
- R. R. Oropesa: La Habana tiene su son. Editorial Letras Cubanas, La Habana, 2012.
- M. Villa: “Ignacio Piñeiro. Encuentro con su obra”, en Clave, La Habana, núm. 9, 1988.

74. - Luis GARCÍA BERLANGA

(Valencia, 12 de junio de 1921 – Madrid, 13 de noviembre de 2010)

Sello dedicado a Luis García Berlanga, emitido 

por Correos de España el 22 de julio de 2011. 

(Valor facial: 80 céntimos de euro)

El realizador y guionista cinematográfico español Luis García-Berlanga Martí nació en el seno de una familia acomodada de terratenientes y políticos moderados de izquierdas. Su padre fue gobernador civil de Valencia durante la Segunda República y él, para evitar represalias políticas, se alistó en la División Azul, combatió en el frente de Leningrado durante la segunda guerra mundial y simpatizó con Falange Española y de las JONS.

Inició estudios de Derecho y Filosofía y Letras, pero en 1947 los abandonó e ingresó en el Instituto 

de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas de Madrid. El año 1951, tras haber realizado algunos cortometrajes, codirigió con Juan Antonio Bardem –con quien continuaría colaborando– 

su primera película, Esa pareja feliz. A ambos se les considera renovadores del cine español después de su declive en la postguerra civil.

Fue muy hábil para burlar la censura durante el régimen franquista, con el que se mostró siempre crítico, y ello le permitió realizar filmes como Bienvenido, Mister Marshall (1953), Calabuch (1956), Los jueves, milagro (1957), Plácido (1961), El verdugo (1963) y la coproducción hispano-franco-italiana Tamaño natural (1973). Empezó por aquella época su colaboración con el guionista Rafael Azcona.

Después de la muerte del dictador (1975) y la democratización de España (1978), dirigió alguna gran película, como La escopeta nacional (1978) y Todos a la cárcel (1993), y realizó también series para televisión, con guiones propios.

Su sentido del humor, su ironía y su ingenioso uso de la sátira social y política están muy presentes en la mayoría de los filmes que dirigió; lo hizo, sin embargo, con suficiente habilidad para eludir la censura; en algunos casos, como los atrevidos diálogos de Los jueves, milagro, tal habilidad resulta especialmente clara.

Su obra mereció varias distinciones, como el Premio Nacional de Cinematografía (1980), la Medalla de Oro de las Bellas Artes (1981), el premio Príncipe de Asturias de las Artes (1986) y el premio Goya al mejor director (por Todos a la cárcel) en 1993. En 1961 su película Plácido fue nominada para el Oscar a la mejor película en lengua no inglesa. Por otra parte, el año 1988 fue elegido miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y, en 1997, investido Doctor Honoris Causa por la Universidad Politécnica de Valencia.

A todo ello hay que añadir otros muchos reconocimientos y galardones en festivales internacionales de cine, como los de Cannes, Venecia, Montreal y Berlín. En el festival de Karlovy Vary fue elegido como uno de los diez realizadores de cine más relevantes del mundo.

Enlaces de interés

- “Berlanga Film Museum” (Generalitat Valenciana, 2012. Con enlaces. En español).
- “Filmografía completa de Luis García Berlanga” (en La Voz de Galicia, 13.11.2010. En español).
- “Luis García Berlanga” (en Todocine.com. Filmografía. En español).
- “Luis García Berlanga” (Universitat Politècnica de València, 2.10.1997. En español).
- “Luis García Berlanga (1921–2010)” (en IMDb. En inglés).
- “Luis García Berlanga: biografía y filmografía” (en AlohaCriticón. En español).
- “Luis García Berlanga: de Villar del Río a Tombuctú” (en Monografías del cine español, Núm. 4, Universidad Complutense, Madrid, 2011. 8 artículos, un vídeo, filmografía comentada y bibliografía. En español).
- “Luis García Berlanga en ‘Imprescindibles’” (en rtve.es, 2009. Vídeo ‘Por la gracia de Luis’ sobre García Berlanga en la voz de actores que trabajaron en él. En español).
- Á. de la Iglesia: “Ácido corrosivo, tierna sonrisa” (en El País, 14.11.2010. En español).
- V. Hernández: “Maestro de maestros” (en El Mundo, Madrid, especial ‘Luis García Berlanga, 1921-2010’. 

En español).
- S. Marsh: “Luis García Berlanga” (en Senses of Cinema, 3.2003. Con enlaces. En inglés).
- J. L. Sánchez: “Luis García Berlanga” (en decine21.com, 13.11.2010. Biografía y filmografía. En español).
- J. M. Sancho: “El cine de Luís García Berlanga en la democracia” (en Historia del arte, 8.10.2015.  En español).

- N. Vías: “Luis García Berlanga” (en miradasdecine.es, 9.9.2010. En español).

Bibliografía

- J. J. Abajo de Pablos, A. de Morgua y Mastrés & L. Rodrigo Barbero: Un estudio en profundidad sobre Luis García Berlanga. Fancy Ediciones, Valladolid, 2009.
- L. Alegre: ¡Viva Berlanga! Cátedra, Madrid, 2009.
- J. Álvarez: La vida casi imaginaria de Berlanga. Prensa Ibérica, Barcelona, 1996.
- C. Cañete: Bienvenido Mister Berlanga. Destino, Barcelona, 1993.
- J. Franco: Bienvenido Míster Cagada. Memorias caóticas de Luis García Berlanga. Aguilar, Madrid, 2005.
- J. García Jiménez: La poética de Berlanga. Tarvos, Madrid, 2000.
- A. Gómez Rufo: El cine de Berlanga y la censura de la década de los 50. Tribanda Pictures, Barcelona, 2009.
- J. Hernández Les & M. Hidalgo: El último austro-húngaro: conversaciones con Berlanga. Anagrama, Barcelona, 1981.
- F. Perales: Luis García Berlanga. Cátedra, Madrid, 1997.